НАЦИОНАЛЬНАЯ ГАЛЕРЕЯ

 Лондонская Национальная                  Галерея 

http://www.nationalgallery.org.uk/

В это воскресенье 1 июня у меня будет экскурсия в Национальную Галерею. Для подготовки к экскурсии, мне очень помогла информация из замечательной книги, серии  «Шедевры мировой живописи в вашем доме»  Лондонская Национальная галерея, Марфа Всеволодовна Замкова

В 1824 году решением британского парламента была открыта Лондонская Национальная галерея. Лондон в ту пору был последней из европейских столиц, в которой еще не существовало художественного музея, открытого для широкой публики. Такие музеи, как Уффици, Лувр и Эрмитаж, возникшие на основе коллекций королей или владетельных князей, были переданы народу в конце XVIII -начале XIX века. В Англии же коллекции монархов все еще оставались их собственностью и украшали лишь королевские дворцы.

Художественные коллекции, доступные для зрителя, были сосредоточены в трех художественных центрах Англии. В Британском музее, основанном в 1753 году, можно было любоваться скульптурами, медалями и книгами, но живописных полотен там было совсем немного. Далиджская галерея, построенная архитектором Джоном Соуном и открытая для публики в 1814 году, была, по сути, частным музеем, чья коллекция живописи включала в себя в основном произведения XVII-XVIII веков. Наконец, была Королевская академия, основанная в 1768 году как учебное заведение и место проведения выставок. Однако она не располагала работами крупных мастеров, которые могли послужить образцами для копирования и источником вдохновения для начинающих живописцев. Поэтому художественная общественность Британии, страстно желавшая поднять уровень английской живописи и вообще национальной художественной культуры, ратовала за создание Национальной галереи, которая по своему уровню соответствовала бы славе и мощи страны.

Одним из самых ревностных энтузиастов идеи создания галереи был сэр Джордж Бомон. Он пообещал передать в дар нации свое собрание картин в том случае, если для его экспонирования будет найдено достойное место, которое будет открыто для зрителей. Его примеру последовал коллекционер Холуэл Карр, поставив те же условия. Наиболее известными полотнами в их коллекциях были картины Рубенса, Каналетто, Рембрандта и Тинторетто. Бомон и Карр были в числе первых благотворителей галереи, до сих пор состоящей на две трети из дарений частных лиц.

 

Поначалу скептически настроенное, правительство вскоре переменило свою точку зрения и стало всячески способствовать созданию галереи. Этому помогла выплата Австрией военного долга, а также возможность приобрести на очень выгодных условиях коллекцию картин финансиста Джона Джулиуса Ангерштейна, умершего в 1824 году. Палата общин выделила для приобретения этого собрания 60 000 фунтов стерлингов, создав таким образом основу будущей Национальной галереи. Она и открыта была именно в доме Ангерштейна и располагалась там вплоть до 1838 года. Затем галерея была переведена на Трафальгарскую площадь в здание Британского музея, которое делила с ним около 30 лет.

Начиная с 1870 года здание галереи неоднократно расширялось. В ходе последней, относительно недавней реконструкции (1961-1975) к нему пристроили северные  крылья  с  отдельным  входом.

Крыло Сентсбери было торжественно открыто самой королевой. Здесь устроена экспозиция самых старых и ценных картин; в этом же крыле проводятся временные выставки. В помещении также располагается лекционный зал и компьютеризированный справочный зал для публики.

Сейчас коллекция старых мастеров в крыле Солсбери усилиями энтузиастов Национальной галереи продолжает постоянно расширяться - как за счет передачи картин в дар галерее частными лицами, так и благодаря поддержке общественных и частных благотворительных фондов. Так, совсем недавно галерея пополнилась работами Сера, Бермехо, Дюрера, Альтдорфера. Галерея стремится к пополнению собрания работами итальянских мастеров XIV-XV веков. Итальянская коллекция располагает картиной Фра Беато Анджелико, прекрасными работами Антонио Пизанелло и Филиппо и Филиппино Липпи.

Музей сумел собрать в своих стенах богатую коллекцию венецианской живописи, в которой представлены не только такие художники первого ряда, как Беллини и Мантенья, но и работы других прекрасных мастеров, например, Чима да Конельяно и Антонелло да Мессина. Есть в собрании галереи и ранняя работа Джорджоне, но поскольку в авторстве великого художника нет полной уверенности, это полотно чаще находится в запасниках.

По сравнению с собраниями Лувра, Прадо и Уффици, количество экспонатов Лондонской Национальной галереи не очень велико. Но галерея заслуженно гордится тем, что в ее коллекции представлены шедевры всех европейских школ с середины XIII до начала XX века. Другой предмет гордости - собрание работ Тициана, отражающее каждый творческий период великого мастера - от самых ранних работ (в которых его часто путают с Джорджоне) до поздних лет творчества.

Галерея, безусловно, проигрывает Прадо по числу картин испанских художников. Но именно в ее стенах находится самая большая за пределами Испании коллекция картин Веласкеса, в том числе и его знаменитая Венера с зеркалом - единственное произведение великого мастера, изображающее обнаженную натуру.

Музею принадлежит и прекрасное собрание картин Рембрандта, причем в этих работах отражается вся жизнь великого художника. В галерее есть Портрет Саскии в костюме пастушки - первой жены Рембрандта, а в скромной картине Женщина, купающаяся в ручье мы узнаем изображенную мастером Хендрикье Стоффельс, его вторую жену. Присутствуют в собрании и портреты, написанные Рембрандтом незадолго до смерти.

Музей обладает богатой коллекцией творений Рубенса: двадцать четыре картины - это много для самого престижного музея. К тому же большинство полотен художника, хранящихся в галерее, - это работы последних лет жизни, когда достигший высшей славы мастер позволил себе писать для собственного удовольствия и отказался от помощи подмастерьев.

В галерее, естественно, много работ Ганса Гольбейна и Антониса ван Дейка: и тот и другой были придворными художниками английских королей, и значительная часть их произведений осталась в Англии. Тут необходимо упомянуть о роли ван Дейка, как художника, способствовавшего развитию английской национальной живописи и, в частности, английского портрета.

Энтузиастам галереи удалось собрать достойную коллекцию работ «Малых голландцев». В ней есть и Адриан ван Оста-де, и Питер де Хох, и Герард Терборх. Галерея богата прекрасными пейзажами Якоба ван Рейсдаля.

Хранятся в галерее и шедевры, которые были бы драгоценны для любого музея мира, - это произведения Иеронима Босха, Питера Брейгеля Старшего, Франса Хальса, Яна Вермера Делфтского.

Французская живопись представлена в Лондонской Национальной галерее необычайно разнообразно. В собрании много работ Пуссена и Лоррена, представляющих академическую линию развития французской живописи. Но в галерее есть и работы братьев Лененов, изображающих нищету французских улии с правдивостью, свойственной их кумир, Караваджо.

В коллекции галереи прекрасно представлен французский парадный портрет. Здесь и работа Филиппа де Шампеня, изображающая кардинала Ришелье, и прекрасный парадный портрет Антуана Пари кисти Гиацинта Риго - официального портретиста уже немолодого Людовика XIV.

XVIII век считается золотым веком французской галантной живописи. Это полные тихой грусти сцены Антуана Ватто и эротические толкования мифологических сюжетов Жана Оноре Фрагонара, и морализирующая живопись Никола Ланкре, и нежные, приведшие в восторг Салон в 1755 году, воздушные барышни Жана Батиста Греза, и по-настоящему прекрасная в своей демократичной простоте живопись Жана Батиста Шардена.

На рассвет английской живописи было отпущено немного времени. От прекрасных, немного консервативных работ Хо-гарта до пейзажей Тернера, уже смотрящих в живопись будущего века, прошло всего сто лет. Но за это столетие английские художники успели сделать многое. Среди их достижений и прекрасные парадные портреты сэра Джошуа Рейнолдса, первого президента Английской художественной академии, и работы гениального Томаса Гейнсборо, сумевшего с удивительным проникновением соединить в своих творениях пейзаж с изображением человека. Английское искусство было бы неполным, если отнять у него бесчисленные изображения лошадей, в том числе мастерски выполненные художником и профессиональным коневодом Джорджем Стаббсом. Величие английской живописи не понять без парадных портретов работы Томаса Лоуренса и изумительных пейзажей Джона Констебла, в которых отразилось все, что есть прекрасного в природе Британских островов.

Французская художественная школа представлена в Лондонской Национальной галерее портретами кисти Энгра и Давида, работами Делакруа и Курбе потрясающими зрителя цветовой насыщенностью и жизненной силой, проникнутыми лиризмом нежными пейзажами Коро и Добиньи. Эти двое - яркие представители товарищества художников, которых называют Барбизонцами - по месту, где они чаще всего писали свои полотна.

Галерея обладает также прекрасной коллекцией импрессионистов: Клода Моне, Эдуарда Мане, Огюста Ренуара, Альфреда Сислея и Камиля Писсаро, которую продолжает пополнять за счет частных дарений.

Все картины, принадлежащие Лондонской Национальной галерее, как правило, выставляются не по национальным или местным школам, а в хронологическом порядке. Такой принцип позволяет увидеть творческую связь художников различных стран и школ в пределах одного периода. Этому же способствуют и часто проводимые здесь выставки художественных шедевров из других музеев мира.

Расположенная в центре Лондона, Национальная галерея продолжает дело своих основателей. Она дарит посетителям возможность насладиться любованием бессмертными творениями мастеров живописи разных периодов и направлений, стран и эпох. И тщательно хранит их для грядущих поколений.

 Марфа Всеволодовна Замкова

http://bibliotekar.ru/

Особый взгляд. " Венера и Марс"

                  Сандро Боттичелли "Венера и Марс"

 1482 - 83 гг, темпера на дереве, 69 х 173,5
Лондонская Национальная галерея 

Дальше ПРОДОЛЖЕНИЕ »

Британские галереи выкупили картину Тициана "Диана и Каллисто"

Лондонской Национальной галерее и Национальной галерее Шотландии удалось выкупить картину Тициана "Диана и Каллисто" у частного коллекционера за 45 миллионов фунтов стерлингов (71,5 миллиона долларов) в марте 2012 года.

 Примерно половина этой суммы, 25 миллионов фунтов (40 миллионов долларов), была выделена из резервов Национальной галереи, формирующихся, в основном, за счет пожертвований. Остальная часть была внесена благотворительными организациями и частными лицами.
В 2009 году Лондонская Национальная галерея и Национальная галерея Шотландии приобрели картину Тициана "Диана и Актеон", которая, как опасались эксперты, могла быть продана в частную коллекцию и потеряна для страны.

"Нам удалось сохранить обе картины в период экономических трудностей благодаря уважению и высокой оценке нашей деятельности в течение многих десятилетий", - заявил директор Национальной галереи Николас Пенни (Nicholas Penny).

Полотна были выставлены на продажу их владельцем, герцогом Сазерлендским в 2008 году. Изначально, каждая из картин, написанных знаменитым художником эпохи Возрождения по заказу короля Испании Филиппа Второго, оценивалась в 50 миллионов фунтов (около 80 миллионов долларов). Позднее цена на полотно "Диана и Каллисто" была снижена.
Картины находились в Национальной галерее Шотландии с 1945 года, и их возможная продажа в частные руки, по мнению руководства музеев, стала бы катастрофой.
В течение ближайших 18 месяцев "Диана и Калисто" будет выставляться в Национальной галерее, после чего она будет вывешена вместе со второй картиной "Диана и Актеон" в Национальной галерее Шотландии.
В дальнейшем, как отмечает издание, полотна будут выставляться в каждом из музеев по очереди. В соответствии с размером вклада каждой из галерей будут определяться и сроки, в течение которых картины будут выставлены в музеях. Поскольку Национальная галерея в Лондоне выделила большую сумму на покупку картин, жители и гости столицы Великобритании смогут наслаждаться шедеврами Тициана в течение шести лет, тогда как в Эдинбурге картины будут показываться публике четыре года.
Коллекция картин герцога Сазерлендского - самое большое в мире собрание шедевров старых мастеров, открытое для публики, и самая большая коллекция произведений искусства в Великобритании после королевской. В нее входят полотна таких мастеров как Рафаэль, Пуссен, Рембрандт и еще две работы Тициана.
Британским музеям уже не раз приходилось прибегать к различным методам, чтобы сохранить для страны ценные произведения искусства. Лондонская галерея Тейт в 2007 году собрала деньги для того, чтобы перекупить полотно британского художника рубежа 18-19 веков Уильяма Тернера у частного иностранного коллекционера. Он приобрел картину "Голубая Риги" на аукционе за 5,8 миллиона фунтов стерлингов (9,2 миллиона долларов). Чтобы дать возможность британской галерее найти недостающие средства и перекупить шедевр, власти отложили выдачу разрешения на его вывоз из страны.

 http://ria.ru

Дуччо ди Буонинсенья

Лондонская Национальная галерея
Зал 51 http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-51

Исцеление слепого Дуччо (полное имя - Дуччо ди Буонинсенья; 1255 - 1319) считается одним из виднейших итальянских живописцев рубежа XIII-XIV веков, родоначальником сиенской готики. Он родился в Сиене, где и сформировался как художник, возможно испытывая некоторое влияние Чимабуэ, о чем свидетельствует его Мадонна Ручеллаи, написанная в 1285 году (галерея Уффици, Флоренция). В Лондонской Национальной галерее хранятся работы Дуччо из его большой алтарной композиции Маэста (величание Девы Марии с Младенцем), написанной им для главного алтаря Сиенского собора в 1308-1311 годах, числящиеся ныне среди шедевров итальянской живописи. Сюда входят Исцеление слепого и Благовещение - картины, полные лиризма и одухотворенности. Несмотря на небольшие размеры досок, в них чувствуется внутренняя сила, которая впоследствии будет характерна и для шедевров Мазаччо. В Исцелении слепого группа святых во главе с Христом ярким цветовым пятном выделяется на фоне города, исполненного в розовато-белых тонах. Особенно выразительны по насыщенности цветовой гаммы фигуры Христа и двух идущих за ним святых, причем одежды Христа своими глубокими тонами приковывают основное внимание. Фигуры святых написаны более сдержанно, не столь сочными красками. Большое внимание мастер уделил изображению лиц. Хотя они кажутся еще несколько схематичными, заметно, что художник пытается написать портретные образы. Важно и то, что Дуччо явно стремился передать движение фигур, а не просто зафиксировать их положение. Картина Благовещение своей цветовой гаммой отличается от Исцеления слепого. По тону красок фигура ангела вписывается в цветовое решение картины, лишь темный плащ Девы Марии, стоящей в темном же проеме открытой двери, вырывает ее силуэт из общего пастельного тона. Голубые и фиолетовые цвета одежды ангела в сочетании с золотом его волос углубляют впечатление его неземного происхождения. Все архитектурные детали отличает готическая форма. Крайне схематичен разделяющий ангела и Мадонну горшок с цветами. Глубину пространства картины подчеркивает разная раскраска стен. Оба произведения можно бесспорно отнести к вершинам итальянского готического искусства, недолго просуществовавшего в Италии. При этом творчество Дуччо оказало большое влияние на последующее развитие итальянской живописи. Благовещение

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

Мазаччо. Томмазо Гвиди

Лондонская Национальная галерея
Зал 53 http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-53

Святые Иероним и Иоанн Креститель Одним из самых крупных художников начала XV века по праву считается Мазаччо (1401-1428). Его настоящее имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (Гвиди). Жизнь его была очень непродолжительной, но оставленный художником след в искусстве трудно переоценить. Он родился в маленьком местечке Сан-Джованни Вальдарно и умер в Риме двадцати восьми лет от роду. Первые упоминания о Мазаччо как о художнике относятся к 1418 году, когда юный художник приехал во Флоренцию. По-видимому, там он учился в одной из самых известных мастерских живописи того времени у Биччи ди Лоренцо. В 1422 году Мазаччо вступил в цех врачей и аптекарей, а в 1424 году, в знак признания его зрелым мастером, Мазаччо был принят в цеховое объединение художников Братство Святого Луки. За свою короткую жизнь Мазаччо сумел довершить в живописи революционные преобразования, начатые Джотто. Как и у Джотто, фрески составляют основу его художественного наследия. Тем драгоценнее те немногие станковые произведения Мазаччо, которые донесло до нас время. Лондонская галерея владеет центральной частью полиптиха Мадонна с Младенцем и четырьмя ангелами, заказанного Мазаччо в 1426 году для капеллы в церкви Санта-Мария дель Кармине в Пизе. В галерее также хранится одна из последних работ художника - боковая створка триптиха, изображающая Святых Иеронима и Иоанна Крестителя. Она была написана незадолго до смерти Мазаччо в Риме в 1428 году. Работам Мазаччо чужд декоративный стиль, столь распространенный з живописи начала XV века. В них, как и в произведениях его предшественника Джотто, все подчинено перспективному построению пространства и использованию светотени. Вот и в Мадонне с Младенцем и ангелами декоративные элементы отходят на задний план. Трактовка образа, как и всегда у этого мастера, при видимой простоте обладает какой-то своей, только ему присущей индивидуальностью и внутренней силой. Мадонна сидит на троне, построенном строго по законам перспективы Джотто. Ее фигура написана уверенными и четкими мазками, что создает впечатление скульптурной объемности. Ее лицо спокойно и печально, отрешенный взгляд направлен в никуда. Закутанная в темно-синий плащ, Дева Мария держит на руках Младенца, золотистая фигурка которого резко выделяется на темном фоне. Глубокие складки плаща позволяют художнику играть со светотенью, что тоже создает особенный зрительный эффект. Младенец ест черный виноград - символ Евхаристии (причастия). Безупречно нарисованные ангелы (художник прекрасно знал анатомию человека), окружающие Мадонну, придают картине дополнительное эмоциональное звучание. (святые Иероним и Иоанн Креститель — единственная створка, написанная Мазаччо для двухстороннего триптиха. После ранней смерти живописца остальная часть работы, выполнявшейся по заказу папы Мартина V для церкви Санта-Мария Маджоре в Риме, была довершена Мазолино. На этой доске изображены строгие, монументально исполненные фигуры святых, одетых во все красное. Иероним держит вскрытую книгу и макет базилики, ж его ног лежит лев. Иоанн Креститель изображен в своем обычном виде: он бос и держит в руках крест. Обе фигуры поражают анатомической точностью изображения и почти скульптурным ощущением объема. Можно без преувеличения сказать, что работы Мазаччо - это настоящие жемчужины в коллекции Лондонской Национальной галереи. Мадонна с Младенцем и ангелами

Марфа Всеволодовна Замкова
 http://bibliotekar.ru/


                            Филиппо Липпи
 Лондонская Национальная галерея
Зал 54  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-54

Благовещение Филиппо Липпи (ок. 1406-1469) один из крупнейших флорентийских мастеров Раннего Возрождения, был сиротой и воспитывался в монастыре Санта-Мария дель Кармине во Флоренции. В годы его отрочества там расписывали храм Мазаччо и Мазолино, и талантливый мальчик проявил большой интерес к их работе, оказавшей колоссальное влияние на развитие таланта будущего художника. В этом же монастыре Липпи принял монашеский постриг. Позднее, встретив монахиню из монастыря Санта-Маргерита, он покинул стены обители, чтобы жениться на Лукреции Бути, матери его будущего ребенка - сына Филиппино, который тоже стал известным флорентийским живописцем. Очень любивший и почитавший творчество художника Козимо Медичи Старший сумел добиться для Филиппо и его возлюбленной снятия монашеских обетов. Образ возлюбленной супруги Лукреции Липпи запечатлел в своих поэтичных Мадоннах. В 1452-1466 годах Липпи работает над созданием фресок в соборе Прато. Можно утверждать, что эти фрески - самая значительная работа Филиппо Липпи, его высшее творческое достижение. В своем творчестве Филиппо Липпи был продолжателем традиций Фра Беато Анджелико, соединившим в своих произведениях последние достижения гуманистической мысли с глубокой религиозностью, но в отличие от работ Фра Анджелико живопись Липпи носит более светский характер. Две работы Липпи из Лондонской Национальной галереи – Благовещение и Семь Святых - предназначались для украшения мебели во дворце Медичи. Их прикладное значение обусловило известную композиционную сдержанность, в целом не очень характерную для художника. Обе работы написаны в форме полукруга. Благовещение, где изображены Дева Мария и архангел Гавриил, композиционно разделено на две части. На открытой террасе богатого флорентийского дома сидит молодая женщина. Холодный тон сине-зеленого плаща, темные стены делают изображение ее силуэта очень ясным и четким. Цвет плаща контрастирует с уложенным коричневатой плиткой полом. Перспективные сокращения уводят 5-згляд зрителя в глубь картины. В миловидном лице юной Марии художник изобразил свой идеал женской красоты. Остается удивляться, как художнику удалось предугадать в этом образе черты своей будущей супруги, позднее неоднократно запечатленной им в других Мадоннах. Второе произведение представляет собой с изображение семи Святых, покровителей Медичи. Центральная фигура этой симметричной композиции - Иоанн Креститель. Святые сидят на полукруглом балконе из светлого мрамора, и их яркие силуэты хорошо видны. Четверо из них облачены в монашеские рясы. Двое справа и слева от Иоанна Крестителя облачены в яркие красные одеяния, что помогает композиционно выделить центр полотна. Не исключено, что, изображая духовных покровителей Медичи, художник придал им портретное сходство с представителями этого семейства. Семь Святых

фрагмент

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                               Паоло Уччелло
Лондонская Национальная галерея
Зал 54  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-54

Святой Георгий, принцесса и дракон Паоло Уччелло (его настоящее имя Паоло ди Доно; ок.1397/1400-1475) заметно выделяется своим творчеством среди флорентийских художников XV века. Всю свою жизнь он провел во Флоренции. Будучи мальчиком-учеником, Паоло работал в мастерской Лоренцо Гиберти и даже помогал своему наставнику, когда тот создавал первые ворота знаменитого флорентийского Баптистерия -помещения для обряда крещения. Его формирование как художника происходило под влиянием поздней готики, господствовавшей в искусстве Флоренции после смерти великого Джотто. Но открытие законов перспективы так увлекло художника, что он с воодушевлением занялся их изучением. В 1415 году, еще совсем юным, Уччелло был принят в цех врачей и аптекарей, а в 1424, уже признанным мастером, в Братство Святого Луки. Самым значительным его произведением была написанная в 50-х годах XV века трехчастная Битва при Сан-Романо, сюжетом для которой послужила победа, одержанная флорентийцами под предводительством Никколо да Толентино над жителями Сиены. Три большие композиции запечатлели три момента разгрома сиенцев. Картина была заказана Козимо Медичи Старшим в 1435 году для украшения палаццо Медичи. В настоящее время части этой композиции находятся в трех крупнейших музеях мира: центральная часть - в Уффици, правая и последняя - в Лувре, а левая, начальная по смыслу, изображающая яростное противостояние флорентийцев атакам сиенцев, принадлежит Лондонской Национальной галерее. В центре картины, хранящейся «Лондонской галерее - фигура полководца, несущегося на белом коне в гущу битвы и увлекающего своим примером флорентийцев. За его спиной - множество воинов, закованных в темные доспехи. Выделяющиеся на фоне темной листвы светлые копья как бы направляют движение всей композиции к центральной ее части. Битва при Сан Романе - первое произведение батальной живописи. Она предвосхищает будущие творения на батальные темы великих мастеров итальянского Возрождения. Поздняя работа художника - Святой Георгий, принцесса и дракон - маленькое камерное произведение. Оно датируется примерно 1460 годом. Фоновая часть картины представляется декорацией, в окружении которой разворачивается некое театральное действо. Святой Георгий изображен закованным в доспехи рыцарем на вздыбленном белом коне. Фигура дракона почти не видна в проеме пещеры, служащей ему убежищем, силуэтом на светлом фоне смотрится лишь голова чудовища. Схематически изображенная красавица принцесса в знак победы над дьявольским воплощением похоти надевает на шею героя свой пояс, олицетворяющий ее невинность. Художественный язык работы весьма прост и напоминает тот, что пять столетий спустя будут использовать некоторые художники XX века в своих сюрреалистических исканиях.

 Битва при Сан-Романо

 

 Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                Ян ван Эйк

Лондонская Национальная галерея
Зал 56  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-56

Портрет четы Арнольфини Яна ван Эйка (1390-1441) принято считать самым крупным нидерландским живописцем XV века, положившим начало реалистической традиции в алтарной живописи. Родом из небольшого нидерландского городка на реке Маас, он в 1422, будучи уже уважаемым мастером, поступил на службу к графу Иоанну Баварскому и вплоть до 1424 года участвовал в работах по украшению графского дворца в Гааге. В 1425 году Ван Эйк перебрался в Лилль, где стал придворным живописцем бургундского герцога Филиппа III Доброго. При дворе герцога, который высоко ценил художника, он не только писал картины, но и выполнял многие дипломатические поручения, неоднократно выезжая в Испанию и Португалию. В 1431 году Ван Эйк переехал в Брюгге, где и прожил до конца своих дней, выполняя работы и как придворный живописец, и как художник города. Наибольшее количество дошедших до нас произведений было написано мастером в то время, когда он находился на службе у герцога Бургундского. Одна из самых знаменитых работ Ван Эйка, Портрет четы Арнольфини, находится в коллекции Лондонской Национальной галереи. На картине, изображающей церемонию бракосочетания двух богатых молодых людей, художник нашел место для нескольких символов - например, для собачки, расположившейся у ног новобрачной, символа верности. В круглом зеркале, висящем на стене в глубине композиции, отражаются двое -очевидно, свидетели бракосочетания. В одном из них художник изобразил самого себя, о чем гласит надпись над зеркалом. Новобрачных художник исполнил в рост. Живописец любовно изображает вещи, окружающие молодоженов. Эти предметы много сообщают об образе жизни своих хозяев, подчеркивая их бюргерские добродетели - бережливость, скромность, любовь к порядку. Ван Эйк вводит зрителя в частную жизнь людей, показывая красоту повседневного быта. Этим он открыл новые, реалистические возможности изобразительного искусства, до конца реализованные лишь в XVII веке, когда в Голландии было создано много подобных картин. Ян ван Эйк был превосходным мастером портрета, и две картины, которыми владеет галерея, - яркие тому свидетельства. Портрет молодого человека датирован 1432 годом. Это довольно загадочное произведение. Несмотря на поясняющую надпись на каменной плите, на которую опирается молодой человек, и тщательное воспроизведение характерных черт лица, остается только строить предположения, кто именно здесь изображен. Однако интрига, скрытая в этом произведении, никак не умаляет его художественных достоинств. Простые и грубоватые черты лица персонажа совсем не мешают передаче его задумчивого выражения и отстраненно-мечтательного взгляда. Портрет человека в красном тюрбане также снабжен пояснениями. Наверху на раме любимое изречение мастера: «Как я сумел», а внизу надпись: «Иоханн де Эйк меня сделал в лето Господне 1433, 21 октября». На полотне изображен немолодой человек с проницательным взглядом и резкими чертами лица. Личность изображенного человека установить не удалось. Однако совершенно очевидно, что художник хорошо знал портретируемого и потому так точен в его психологической характеристике. Существует предположение, что это портрет одного из родственников Ван Эйка. Что касается головного убора, напоминающего восточный тюрбан, то такие были весьма модными в Европе XV века. Портрет молодого человека          Портрет человека в красном тюрбане

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                          Рогир ван дер Вейден
Лондонская Национальная галерея
Зал 56     http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-56

 Обретение мощей Святого Губерта

В нидерландском искусстве XV века Рогир ван дер Вейден (ок.1400 - 1464) считается вторым по значению художником после Ван Эйка. При жизни он был очень известен, имел большую мастерскую, полную учеников и последователей. Его работами восхищались и его современники, и люди других поколений. Забвение большинства нидерландских мастеров XV века, длившееся века, не затронуло имя этого мастера.

Документальные сведения о жизни художника не всегда точны и достоверны. Рогир ван дер Вейден родился в Турне в 1399 или в 1400 году в семье резчика по дереву, так что с детства мальчик был окружен произведениями искусства. Свою карьеру молодой мастер начал как скульптор. Ранние работы художника свидетельствуют о том, что, прежде чем стать живописцем, он был именно скульптором: фигуры в них всегда несколько угловатые, складки одежд написаны ломаными жесткими линиями, все выпукло и очень объемно.

Но когда Ван дер Вейден решил стать живописцем, он в 1427 году выбрал для обучения мастерскую самого известного тогда в Турне художника Робера Кампена, больше известного под именем «Мастер из Флемаля». В 1432 году Рогир ван дер Вейден, уже принятый в Гильдию Святого Луки в Турне как самостоятельный художник, уезжает на родину своей жены в Брюссель; там он прожил вплоть до своей смерти в 1464 году, работая в должности городского живописца. В 1450 году, во время путешествия в Рим, он знакомится с итальянской живописью.

Можно считать, что мадридская картина Рогира ван дер Вейдена Снятие с креста (ок. 1435 года, Прадо, Мадрид) является ключом к пониманию его творчества в целом.

А картина Читающая Мария Магдалина, датируемая тем же 1435 годом, может условно считаться «итальянским» опытом живописца. Мария Магдалина в платье зеленоватого цвета сидит, прислонившись к маленькому комоду. Тщательно выписанные складки платья и головного убора делают фигуру похожей на скульптуру. Сосредоточенное выражение лица свидетельствует о том, что все ее помыслы обращены к книге, которую она читает. Рядом - сосуд с благовониями. Другие фигуры и сам фоновый пейзаж говорят о том, что работая над своими произведениями, художник никогда не забывал, что живет на земле и мир, окружающий его - это земной мир.

Полотно Обретение мощей Святого Губерта вышло на свет из мастерской Рогира ван дер Вейдена около 1440 года. На нем мы видим, как внутри залитой солнцем готической церкви священнослужители вынимают из только что открытой могилы нетленные мощи Святого: художник воспроизводит в своем произведении известную легенду христианского Средневековья. Реалистичность изображения одежд центральных персонажей просто поражает.

 Ван дер Вейден придал мощам Святого Губерта вид спящего, а не мертвого человека. Он в алом епископском платье и митре. Храм полон людей, здесь и монахи, и священнослужители, и богатые прихожане в роскошных одеждах. Удивительно, но эта картина кажется больше своих размеров и гораздо монументальнее. Полифония изображенных на ней образов и архитектурных деталей делает ее интереснейшей работой нидерландских мастеров середины XV века.

Читающая Мария Магдалина

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                             Сандро Боттичелли
Лондонская Национальная галерея
Залы 57    http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-57
         58    http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-58

Мистическое Рождество Трудно назвать художника эпохи Возрождения, имя которого было бы больше связано с историей Флоренции, чем Сандро Боттичелли (его настоящее имя Алессандро ди Мариано Филипепи; 1445-1510). Он родился в семье кожевника Мариано Ванни Филипепи. После смерти отца главой семьи становится старший брат, зажиточный биржевой делец, прозванный Боттичелли (бочонок), это прозвище пристало к нему то ли за чрезмерное пристрастие к вину, то ли из-за его полноты. В пятнадцать-шестнадцать лет одаренный мальчик поступает в мастерскую знаменитого Филиппо Липпи. Усвоивший технику фресковой живописи, Алессандро Боттичелли (прозвище брата стало своего рода псевдонимом художника) поступает в самую знаменитую во Флоренции художественную мастерскую Андреа Верроккьо. В 1469 году Сандро Боттичелли был представлен видному государственному деятелю Флорентийской республики Томазо Содерини, который свел художника с семьей Медичи. С этого времени судьба живописца вплоть до смерти Лоренцо Великолепного связана с домом Медичи. Для них он выполнил свои самые знаменитые и крупные заказы. Сандро Боттичелли никогда надолго не покидал Флоренцию. Исключение - его поездка в Рим к папскому двору в 1481-1482 годах для росписи в составе группы художников библиотеки Сикстинской капеллы. Возвратившись, он продолжает работать во Флоренции. В это время были написаны его самые знаменитые работы - Весна, Рождение Венеры. Политический кризис во Флоренции, разразившийся после смерти Лоренцо Великолепного, и прихода к духовной власти в городе воинствующего проповедника Савонаролы, не мог не сказаться на творчестве художника. Потерявший нравственную опору в лице семьи Медичи, глубоко религиозный и мнительный человек, он попал в духовную зависимость от экзальтированно-религиозного и нетерпимого проповедника. Светские мотивы почти полностью исчезли из творчества мастера. Красота и гармония мира, столь волновавшие художника, больше не трогали воображение художника. Его работы на религиозные темы СУХИ и перегружены деталями, художественный язык стал более архаичным. Казнь проповедника в 1498 году вызвала у Боттичелли глубокий душевный кризис. В последние годы своей жизни он вовсе перестал писать, посчитав это занятие грешным и суетным. В XV веке портрет был в Италии своеобразным испытанием художника на мастерство. Боттичелли за свою жизнь написал великое множество разных портретов. Они составили целую галерею образов его современников. Портрет молодого человека написан художником в 80-е годы XV века, в период наивысшего расцвета его дарования. На небольшой картине анфас изображен юноша в скромной коричневой одежде и красной шапочке. Для итальянского портрета XV века это было почти революцией - до того момента всех, кто заказывал свой портрет, изображали в профиль или, со второй половины века, в три четверти. С картины смотрит приятное и открытое молодое лицо. У юноши большие карие глаза, хорошо очерченный нос, пухлые и мягкие губы. Из-под красной шапочки выпущены обрамляющие лицо прекрасные вьющиеся волосы. Применение смешанной техники (художник использовал как темперные, так и масляные краски) позволило сделать контуры мягче, а светотеневые переходы более насыщенными по цвету. Господство гуманистической культуры при дворе Лоренцо Великолепного способствовало обращению художников к мифологическим сюжетам. Работа Боттичелли для свадебного сундука-ларя (кассоне) Венера и Марс иллюстрирует платоническую концепцию любви, именно такие взаимоотношения мужчины и женщины считались истинно гармоничными. Прекрасная богиня любви Венера в спокойном ожидании смотрит на сморенного сном Марса. Эта работа, написанная приблизительно в 1485 году, по тематике объединяется с его знаменитыми картинами, хранящимися з Уффици - Весной, Рождением Венеры, Паиадой и Кентавром. Мистическое рождество - одна из последних картин художника. Во время ее написания мастер пребывал в глубоком душевном кризисе, вызванном казнью Савонаролы, ярым последователем проповедей которого был сам художник и члены его семьи. .Для передачи настроения смятенной горести, тревоги и смутной надежды в картине намеренно используется Архаический стиль. Ее композиционным центром служит сцена Рождества. В хлеву на расстеленных на земле пеленках Младенец тянет ручки к матери, которая, молитвенно сложив руки, склонилась к нему. Иосиф сидит рядом, держась в раздумье за голову. От животных - корова и лошадь присутствовали при рождении Спасителя - веет покоем и смирением. Все остальное пространство картины, пейзаж и небо, заполнено беспокойно движущимися ангелами в разноцветных одеждах. Фантасмагорические дьявольские фигуры в нижней части картины, очевидно, являли художественное выражение настроений и чувств, царивших в это время во Флоренции, которых не избежал и Боттичелли.

Венера и Марс 

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                  Карло Кривелли
Лондонская Национальная галерея
Зал 59  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-59 

Благовещение

Карло Кривелли (ок. 1435-ОК.1494) родился в Венеции и начальное обучение живописи прошел в известных мастерских Виварини и Якопо Беллини. Потом художник предпринял путешествие в Падую, где учился в художественной мастерской Скварчоне вместе со знаменитым Мантеньей. В 1457 году Кривелли окончательно покидает Венецию и отправляется в Дзару; там он жил до 1465 года, а потом навсегда обосновался в Марке. Именно здесь Кривелли стал признанным мастером и обрел большую мастерскую, в которой выполнял многочисленные заказы для церквей и монастырей.

Благовещение Карло Кривелли - один из признанных шедевров итальянской живописи конца XV века. Это большое красочное полотно, написанное в 1486 году в период творческой зрелости художника, вобрало в себя основные достижения искусства Возрождения. По своей стилистике оно напоминает позднюю итальянскую готику. Картина поражает своей особенной праздничной декоративностью, изысканностью рисунка, яркостью насыщенных цветов, строгостью организации перспективы.

На картине изображен богатый, густонаселенный квартал города Асколи. Точное перспективное изображение уводит взгляд в глубь работы, привлекая внимание к прекрасно нарисованным деталям второго плана. А на переднем плане - непосредственно сцена Благовещения. Присутствие рядом с архангелом Гавриилом покровителя города Святого Эмигда и надпись под работой «LIBERTAS ECCLESIASTICA» (что значит «свобода церкви») говорит о том, что это полотно не только отображает один из главных моментов жизни Девы Марии, но и заявляет об административной автономии Асколи, его свободе от власти папского престола.

Святой Эмигд преклонил колена рядом с архангелом и показывает ему макет города, которому он покровительствует. Архангел заинтересованно смотрит на Святого, но его основная задача - передать Деве Марии Благую весть. Одна рука архангела поднята в благословляющем жесте, в другой - цветок лилии. Фигура коленопреклоненного Гавриила находится перед окном комнаты Девы Марии, интерьер которой во всех подробностях можно рассмотреть через открытую дверь. Мадонна преклонила колена перед аналоем, на котором лежит открытая книга, руки молитвенно сложены на груди.

Луч солнца, падающий на ее голову, и голубь над ней говорят о ниспослании на нее Святого Духа. Дева Мария в роскошном красном платье богатой итальянки XV века, на плечи накинут зеленый плащ. На втором этаже над комнатой мы видим на балюстраде павлина, вазы с цветами, узорчатый ковер, пустую клетку, а птица из клетки свободно сидит на стержне, на котором висит клетка. Эта сложная скрытая символика вещей повседневного обихода заимствована художником у нидерландских мастеров. Интересно рассматривать каждый прекрасно написанный фрагмент по отдельности, но, соединенные вместе, они спорят друг с другом по значимости изображаемого. Тем не менее это эклектичное произведение - один из прекрасных примеров итальянской живописи конца XV века.

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                         Пьетро  Перуджино
 Лондонская Национальная галерея
Зал 60  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-60

Перуджино

Архангел Михаил Перуджино (настоящее имя Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи; ок. 1445/1448-1523) родился в местечке Читта делла Пьеве близ Перуджи. Уроженец Умбрии, поначалу он, возможно, был учеником Пьеро делла Франчески, а затем обучался во Флоренции в мастерской Верроккьо. В 1472 году, будучи независимым молодым художником, он вступил в Братство Святого Луки во Флоренции. Художник много разъезжал по Италии, работал во Флоренции и в Перудже, где окончательно обосновался, когда ему уже было за пятьдесят. Там у него была собственная мастерская, там и пристало к нему прозвище, ставшее его именем, сохранившимся в истории искусств. Он известен не только своими собственными работами, но и тем вкладом в сокровищницу мирового искусства, который внес как учитель Рафаэля. На картине Архангел Михаил, выполненной на рубеже веков (1496-1500), облаченный в металлические доспехи архангел стоит к нам лицом, уверенно расставив ноги, расправив крылья и слегка опираясь одной рукой на щит с красивыми узорами. Картину уравновешивает спокойный пейзаж с чистым и светлым небом, лазурным морем на горизонте и земными просторами за спиной архангела. Мадонна с Младенцем и ангелом написана художником в те же годы. Композиция произведения несколько необычна. Ангел легко придерживает Младенца за руки и плечи, а Мадонна стоит в центре, устремив на Младенца нежный взгляд и соединив руки в молитвенной позе. Тонкие ветки с почти прозрачной листвой двух симметрично расположенных деревьев, а также плавные линии пейзажа усиливают ощущение умиротворенности на земле и на небе, где художник поместил ангелов в светлых одеждах.

Мадонна с Младенцем и ангелами

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                          Джованни Беллини
Лондонская Национальная галерея
Зал 61  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-61 

Портрет дожа Леонардо Лоредана Джованни Беллини (1427/1430-1516) - один из величайших итальянских художников эпохи Возрождения. Он родился и вырос в семье крупного венецианского живописца, имевшего в городе процветающую художественную мастерскую. Известным живописцем был и старший брат будущего мастера. Начиная с 1460 года молодой художник начинает помогать отцу и старшему брату в исполнении художественных заказов. Еще в 1453 году в семью Беллини на правах зятя вошел знаменитый художник Андреа Мантенья, и творческое формирование Джованни долго оставалось под его влиянием. С 1475 года Джованни Беллини работает вместе с отцом и братом над украшением венецианского Дворца дожей. А когда в 1479 году старший брат художника уехал в Константинополь с дипломатической миссией, Джованни официально назначают вместо него руководителем работ. Возвращение из Нидерландов Антонелло де Мессины, привезшего в Италию секреты масляной живописи, помогло многим   венецианским живописцам познакомиться с этой техникой. Беллини очень заинтересовали ее художественные возможности, и он начинает сначала работать в смешанной технике, а потом полностью переходит на масляную живопись. В 1483 году Беллини получает официальное звание художника Венецианской республики. Он был очень известен и почитаем в городе, имел большую мастерскую, где учились почти все ставшие затем известными венецианские живописцы, в том числе и великие Джорджоне и Тициан. Джованни Беллини недаром называли «отцом зенецианской живописи». Кровь искупителя написана художником в 1460-1465 годах. На этой ранней картине мы видим художественную аллегорию Страстей Господних и Евхаристии (таинства причастия). В центре картины - несущий крест Христос (на картине лишь придерживающий его). Преклонивший перед ним колена ангел собирает в чашу сочащуюся из ран Христа кровь. Рядом изображено языческое жертвоприношение. Сопоставляя эти два деяния, художник подчеркивает великую значимость искупительной жертвы Христа. Об этом же говорит и вознесшийся к небу шпиль христианской церкви, стоящей рядом с разрушенным языческим храмом. В трактовке пейзажа чувствуется явное влияние Мантеньи. Силуэт Христа и пейзаж фона соединены несколько искусственно. Картине недостает плавности переходов от света к тени, столь свойственных более поздней живописи Беллини. Мадонна на лугу написана художником в 1500-1505 годах. Это произведение уже зрелого мастера. В центре композиции образ сидящей на лугу молодой Марии, на коленях которой спящий обнаженный младенец. Прелестно ее задумчивое лицо, прекрасны сложенные в молитвенном жесте руки. Фигурка божественного малыша кажется скульптурно смоделированной, что напоминает о близком знакомстве мастера с творчеством Мантеньи. Однако мягкость светотеней и общая насыщенность цветовой гаммы говорят о том, что Беллини нашел свой путь в живописи. Прекрасно написанный на заднем плане пейзаж наделен очевидной символикой. Картина исполнена в смешанной технике, что позволило художнику сделать контуры мягче, а цвета насыщенней. Портрет дожа Леонардо Лоредана был официально заказан Беллини как художнику Венецианской республики. В этом произведении дож изображен почти фронтально - вопреки существовавшей традиции изображать лица портретируемых в профиль, в том числе и на медалях, и на монетах. Четкие светотени прекрасно рисуют высокие скулы, нос и упрямый подбородок умного и волевого лица пожилого человека. На ярком сине-зеленом фоне контрастно выделяется белая с золотом и серебром парчовая мантия. Ее дож надевал в праздник Сретения - день, когда обручался с морем, принимая на год власть над Венецией. Работа маслом помогла художнику наполнить воздухом пространство картины и тем самым сделать образ портретируемого удивительно живым.

Мадонна на лугу 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                         Андреа Мантенья
 Лондонская Национальная галерея
Зал 61  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-61

      62   http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-62

Мадонна с Младенцем, Иоанном Крестителем и Марией Магдалиной Один из самых крупных представителей Раннего Итальянского Возрождения Андреа Мантенья (ок.1431-1506) родился недалеко от Падуи. Совсем маленьким мальчиком он поступил в мастерскую известного живописца Скварчоне на правах приемного сына. В 1448 году Андреа выполнил первую самостоятельную работу и стал независимым художником. Вскоре Мантенья получает заказ на фрески капеллы Оветари в церкви Эремитани в Падуе. Эту работу, очень важную в развитии его творчества, художник закончил только в 1457 году. Мантенья много путешествовал, работал в Ферраре и других городах Северной Италии. В 1460 году он переселяется в Мантую и на долгое время поступает на службу к Лодовико Гонзаге. Не считая непродолжительных поездок во Флоренцию и в Рим, Мантенья постоянно жил в Мантуе до самой своей смерти. В конце жизни художник трудился над серией работ на мифологические темы, заказанных Изабеллой д'Эсте. В творчестве он, как и многие другие художники, находился под влиянием флорентийской школы. Поиски ясной формы, четких пространственных построений, свойственных флорентийцам, приобретают у Мантеньи ярко выраженный характер. Его увлекала античность, но не греческое искусство, а памятники Древнего Рима, которые можно было видеть по всей Италии -акведуки, арки, развалины античных цирков, многочисленные статуи. Все они отличались отточенным совершенством форм, к чему художник и сам стремился в своем творчестве. Небольшое полотно Моление о чаше поражает ясностью многоплановых пространственных построений и многосложностью живописного повествования. Картина отображает момент, когда после Тайной вечери Иисус удаляется со Святым Петром и двумя сыновьями Зеведеевыми в Гефсиманский сад, где, оставив сопровождающих его апостолов, уходит молиться, обращаясь к Богу-отцу: «Отче Мой! Если возможно, да минует Меня чаша сия». Коленопреклоненная фигура Христа в молитвенной позе - композиционный центр картины. Его взор обращен к небу, где на облаке видна группа ангелов. У подножья горы спят сопровождающие Христа апостолы. По дороге, ведущей к саду, точно иллюстрируя слова Евангелия: «вот, приблизился предающий Меня», видна группа стражников, ведомая Иудой. В картине очень много символики: сухое дерево со стервятником предвещает смерть, а ветка с зазеленевшим побегом указывает на скорое воскрешение; смиренные кролики, сидящие на дороге, по которой пройдет отряд римских воинов, чтобы взять Христа под стражу, говорят о кротости человека перед лицом неминуемой смерти. Три пня, оставшиеся от только что срубленных и уже унесенных деревьев, напоминают о готовящемся распятии. Мадонна с Младенцем, Иоанном Крестителем и Марией Магдалиной написана в 1500 году и являет собой образец творчества зрелого мастера. Мадонна сидит на алом кресле под балдахином и держит на руках обнаженного Младенца-Христа. В облике Девы Марии нет ничего царственного, скорее, это изображение молодой крестьянки. Обнаженное тельце Младенца кажется удивительно живым. По сторонам от Мадонны - Иоанн Креститель и Мария Магдалина. В руках Магдалины - сосуд с благовониями для помазания, крест в руках Иоанна обвивает лента с текстом про агнца, искупающего грехи мира. Фигуры нарисованы в обычной для художника манере и кажутся вырезанными из камня, в их одеждах резко очерчена каждая складка. Фоном служит изображение сада с темной листвой. По своему тону эта зелень контрастирует с нежно-зеленым, светлым небом. Работа вызывает ощущение глубокой печали и некой обреченности. Моление о чаше

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                                     Дирк Боутс
 Лондонская Национальная галерея
Зал 63  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-63 

Мадонна с младенцем на троне со Святыми Петром и Павлом О детстве, юности и первых годах творчества Дирка Боутса (1415-1475) почти ничего не известно. Лишь в 1447 году он упоминается в документах города Лувена в связи с женитьбой на местной горожанке Катерине ван дер Брюгхен, принесшей ему солидное приданое. С этого времени художник, скорее всего, не покидал Лувена до самой своей смерти. В оценке творчества художника существует немало разночтений. Некоторые работы приписывали другим мастерам, а потом возвращали их авторство Боутсу. Но существуют подтвержденные документами работы художника, которые позволяют составить мнение об основных чертах творчества Дирка Боутса. Одна из них - ясное построение пространственной перспективы. Фигуры на его картинах готически удлиненны, а тщательное исполнение деталей говорит о связи художника с искусством миниатюры. Его работы элегичны и лишены драматизма, а святые малоподвижны и молитвенно благочестивы. Лица святых у мастера имеют черты конкретных людей, видимо, заказчиков его произведений. Мадонна с Младенцем на троне со Святыми Петром и Павлом - произведение зрелого периода творчества мастера, но в нем отразились достоинства и недостатки Боутса. В работе точно в соответствии с перспективным сокращением выстроены диагонали - балдахин над троном Мадонны, само кресло трона, его подиум, шашечки пола. Все они сходятся в одной точке в центре картины. Неподвижно и прямо восседает на троне Дева Мария. Тип ее лица напоминает образы Рогира ван дер Вейдена. Но Мадонна у Боутса спокойна и задумчива, она как бы преодолела душевную напряженность. Одной рукой она касается книги, которую держит Святой Петр, а другой придерживает Младенца, тянущего ручки к цветку гвоздики в руках Святого Павла. Эти детали носят в произведении символический характер. Так, книга в руках Святого Петра - книга судеб, гвоздика - символ вознесения на небо. Апостолы так заняты происходящим, что отложили в сторону свои неизменные атрибуты - ключ Святого Петра и меч Святого Павла. В этом небольшом по размеру полотне Боутс сумел достигнуть полной гармонии з изображении замкнутого пространства и пейзажа, природы и человека. Картина Мадонна, кормящая Младенца еще меньше по размерам. Она изображает Мадонну, кормящую сидящего перед ней обнаженного Младенца. Тип лица Мадонны характерен для всего творчества Боутса. Взгляд ее полуприкрытых глаз устремлен на сына. По плечам струятся распущенные каштановые волосы. Прекрасны руки с тонкими изящными пальцами. Свет в комнату струится через открытое окно, за которым тщательно выписан пейзаж со средневековым замком, окутанным голубоватым туманом. Картина пронизана ощущением удивительного покоя. Мадонна кормящая Младенца

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                     Пьеро делла Франческа
 Лондонская Национальная галерея
Зал 66  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-66 

По своей значимости в развитии живописи имя Пьеро делла Франческа (1415/1416-1492) - одно из самых заметных среди итальянских художников XV века. Одно то, что он завершил многочисленные преобразования в приемах построения перспективы живописного пространства, значимо уже само по себе. Художник, родившийся в небольшом итальянском местечке Сан Сеполькро в Умбрии, к 1432 году был хорошо известен. В 1439-1440 годах он работал во Флоренции помощником Доменико Венециане Учитель приобщил его к своей поэтике света, и богатство цветовой палитры стало определяющей чертой творчества Пьеро делла Франческа. Приблизительно с 1452 по 1458 год художник живет в Ареццо, где работает над написанием десяти знаменитых фресок История Святого Креста, увековечивших его имя. В своем творчестве мастер отдавал предпочтение станковой живописи, однако .дошедших до нас картин крайне мало и находятся они в разных музеях. В этом отношении коллекция Лондонской Национальной галереи представляет собой счастливое исключение: здесь представлены несколько станковых произведений Пьеро делла Франчески разных периодов его творчества. Крещение написано художником примерно в 1459-1460 годах. В этой работе художник сочетает строгие канонические правила изображения с ясностью перспективного построения. Картина написана на тополиной доске яичной темперой -очевидно, к этому времени художник еще не овладел секретами масляной живописи, в технике которой будут написаны его более поздние работы. В сложной пространственной композиции художник запечатлел явление тайны Святой Троицы в момент крещения Христа. Белый голубь, распростерший крылья над головой Христа, символизирует сошествие на Спасителя Святого Духа. Фигуры Христа, Иоанна Крестителя и стоящих рядом с ними ангелов несколько архаичны по трактовке написаны в сдержанной цветовой гамме. Это не мешает точному перспективному композиционному построению и тонкой светотеневой моделировке, создающей ощущение почти скульптурности фигур персонажей. В том, как художник изображает пейзаж заднего плана, ощущается влияние нидерландской живописи, в более поздних работах оно станет еще заметнее. Мюта художника Архангел Михаил, созданная десятью годами позже, чем Крещение - это левая створка  полиптиха, предназначенного для главного алтаря церкви Сант-Агостино в его родном местечке Сан-Сеполькро. В ней художник уже пользуется масляными красками, колорит стал более насыщенным, мягче звучат светотеневые переходы. Работа построена на привычных для мастера вариациях коричневого, синего и белого цветов. Архангел Михаил изображен в одеждах римского воина. В руке он держит отсеченную голову змея, традиционное символическое изображение Люцифера, попирая ногами обезглавленное туловище чудовища. Крещение

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                Антонио Аллегри Корреджо
Лондонская Национальная галерея
Зал 2  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-2 

Антонио Аллегри (1489-1534) получил прозвище Корреджо по месту своего рождения на севере Италии, близ Пармы. Первоначальное художественное образование он получил у своего дяди, а потом продолжил его в Ферраре. Он посетил Мантую, где внимательно изучал искусство Андреа Мантеньи. Большое значение для творческого развития и становления художника имело его путешествие в Рим, а затем работа в Падуе, где он в 20-х годах выполнил многочисленные алтарные композиции и целый ряд росписей в соборах. Из Падуи знаменитый мастер в 1530 году вернулся на родину и прожил там до конца своих дней. Манеру художника в период его зрелости отличала свобода рисунка, продуманность композиций и гармония красок. Джорджо Вазари, знаменитый историк искусств XVI века, писал, что Корреджо был в Ломбардии первым, кто начал писать в «современной манере». Корреджо утвердился не только в родном городе с его маленьким гуманистическим двором, управляемым образованной госпожой Вероникой Гамбара, но и в Мантуе, где при дворе Изабеллы д'Эсте царствовала живопись Мантеньи. Там тоже прекрасно знали его подчеркнуто сентиментальную живопись, сформировавшуюся на венецианских прототипах и впитавшую в себя наследие Леонардо и Рафаэля. Корреджо постоянно нагнетает на зрителя ураган страстей. Особенно это заметно в картине Ессе Homo (Я - человек - лат.), где фигура Христа изображена несколько неестественно и отстраненно, но совершенно потрясающе написаны теряющая сознание Мария, раздираемый противоречивыми чувствами солдат и продолжающий рассуждать старый еврей. Их крупные контрастные лица предстают на абстрактном просцениуме, полностью лишенном глубины, перед невидимой и неисчислимой публикой, включающей и нас, зрителей. Не чуждый гуманистической культуре, царившей при дворе герцогов Д'Эсте, Корреджо довольно часто получал заказы на изображения мифологических сюжетов. Изабелла Д'Эсте любила при этом видеть противопоставление добродетели и порока, а Фредерико Гонзага обожал сцены с любовными похождениями Юпитера. Одной из таких работ был заказ на написание картины под названием Воспитание Амура, где должны были присутствовать Венера, Амур и Меркурий. Амуру, воспитываемому рациональнейшим Меркурием и любвеобильной Венерой, как бы предлагался удачный компромисс между добродетелью и сладострастием, что было вполне в духе Мантуанского двора того времени. Ессе Homo

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                    Лукас Кранах Старший
 Лондонская Национальная галерея
Зал 4  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-4

Святые Женевьева и Аполлония Лукас Кранах Старший (1472-1553) -один из самых известных немецких художников эпохи Возрождения. Он родился в городке Кронах и, видимо, свою фамилию получил по его названию. В молодости художник совершил путешествие по Дунаю и побывал в Вене, где заинтересовался творчеством Дюрера, которое, возможно, оказало на него определенное влияние.  В 1505 году Кранах переехал в Виттенберг и поступил на службу к курфюрсту Саксонскому Фридриху Мудрому. Там он и провел большую часть своей жизни. В 1508 году курфюрст даровал Кранаху герб (изображение крылатого дракончика), а в 1512 году художник женился на девушке из знатного семейства, родившей ему двух сыновей. Кранах был весьма уважаемым горожанином, с 1519 года регулярно выбирался в городской совет, а позднее стал бургомистром. В этой должности он в 1523 году способствовал организации в Виттенберге типографии. На службе у курфюрста, двор которого воспринял гуманистические идеи своего времени, художнику сопутствовал успех. Он состоял в личной дружбе со многими влиятельными людьми своего времени, наиболее известным из которых был, пожалуй, религиозный реформатор Мартин Лютер. Кранах написал много портретов как самого Лютера, так и членов его семьи. Живо интересовавшийся новыми религиозными учениями, художник стал явным сторонником Реформации. В Германии бушевала религиозная война. Курфюрст Саксонский, Иоганн Фридрих, также ревностный сторонник Лютера, в течение двух лет находился в изгнании в Аугсбурге и Инсбруке; Кранах последовал за своим сюзереном и другом. Затем он ненадолго вернулся в Виттенберг, потом переехал в Веймар, где и умер в доме тестя. В творчестве Кранах был очень разносторонен. Многочисленные портреты его работы отличаются жизненной силой и точностью психологических характеристик. Картины Кранаха на религиозные темы и мифологические сюжеты чаще всего населены белокурыми и белотелыми красавицами. В них, то с младенцем на руках, то обнаженных, художник воспроизводил тип современных ему немецких женщин. Работа Святые Женевьева и Аполлония относится к 1506 году. Их изображения вместе с образами Святых Христины и Одилии служили внешними створками знаменитого алтаря Святой Екатерины (хранится в Дрезденской галерее). На темном фоне картины изображены две нарядно одетые девушки, в облике которых Лукас Кранах, как всегда, старался выразить свой идеал женской красоты. Над Святыми - золотой орнамент из плодов и листьев, еще одно свидетельство, что это внешние створки алтаря. Портрет Иоганн Фридрих Великодушный в возрасте шести лет написан художником в 1509 году. Перед нами белокурый мальчик, пышные волосы и миловидное лицо делают его похожим на девочку, а нарядное платьице зеленого цвета и шляпа с пером усиливают это впечатление. Только печальные глаза ребенка смотрят с портрета не по-детски мудро. Картина Венера и Амур - произведение зрелого мастера, она написана в 1530 году. На небольшом полотне художник изобразил прекрасную женщину и маленького Амура, подающего ей медовые соты. Эта навеянная литературными источниками и двусмысленная в своем эротизме сюжетная композиция имела большой успех и неоднократно варьировалась художником. Особую пикантность Венере придает то, что на ней, обнаженной, роскошная, опушенная перьями шляпа. Ее шею украшают золотые цепи. Венера держится за ветку, на которой висят прекрасные яблоки. Художник будто намекает, что это, может быть, и не Венера, а Ева. Фигуры Венеры и Амура смотрятся светлыми силуэтами на фоне темной листвы леса, в которой можно разглядеть головы оленя и косули. Правый край картины занят чудесным пейзажем, написанным с точностью миниатюриста Венера и Амур

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                         Ганс Гольбейн Младший
Лондонская Национальная галерея
Зал 4  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-4 

Послы Отцом крупного немецкого художника Ганса Гольбейна Младшего (1497/1498-1543) тоже был художник и, скорее всего, именно он, Ганс Гольбейн Старший, дал сыну начальное художественное образование. Молодым человеком Ганс Гольбейн Младший покинул Аугсбург и в 1515 году некоторое время жил в Базеле. Художник, возможно, совершил путешествие в Северную Италию; хотя достоверных документальных сведений об этом нет, влияние итальянских живописцев в его творчестве весьма ощутимо. В 1523-1524 годах он путешествовал по Франции. В 1526 году Гольбейн впервые приехал в Англию, куда вернулся в 1532 году, чтобы оставаться здесь до конца своих дней. В 1536 году он был назначен придворным живописцем английского короля Генриха VIII. В Англии художник писал в основном портреты. За всю жизнь при английском дворе в своих рисунках и живописных портретных произведениях он сумел создать замечательную галерею современников. Ему позировали придворные и дипломаты, знатные люди и философы - все окружение преступного и блестящего короля Генриха VIII. Гордые и надменные женщины, благообразные мужчины с холеными лицами и тщательно причесанными волосами, гордецы с плотно сжатыми губами и взглядом поверх зрителя, дряхлые старцы, испытавшие горести жизни и мужественно ожидающие новых ударов судьбы, - все они нашли место в этой галерее. Гольбейн, никогда не терял ясности ума, твердости суждений и чувства меры. Созданные им образы захватывают своим лаконизмом и остротой восприятия. Процесс художественного воплощения образа захватывает его полностью. И все же в его портретах, выполненных с необыкновенной тщательностью, порой чувствуется, что художник словно разочарован в чем-то. Гольбейн прославился, прежде всего, своими мужскими портретами, но и в изображении женщин художник сумел добиться необыкновенной выразительности и точности. Портрет дамы с белкой написан художником в его первый приезд в Лондон. На этой небольшой картине изображена молодая, но, видимо, серьезная и вполне благонравная женщина. Об этом говорят и все атрибуты, приданные ей портретистом. Белка ясно символизирует, что дама - прекрасная хозяйка, делающая запасы, заботящаяся о благосостоянии и спокойствии семьи, дрозд говорит о готовности защищать свое семейное гнездо. Женщина на этом портрете вызывает чувство явной симпатии. Позднее, в 1533 году, когда Гольбейн уже постоянно жил в Англии, им был написан один из его знаменитых двойных портретов, на котором изображены молодые посланцы Франции Жан де Дантевиль и Жорж де Сельва. Эта поразительная картина носит соответствующее название - Послы. Молодые люди, одетые в необычайно тщательно написанные роскошные одежды, стоят возле стола с двумя полками, верхняя из них накрыта турецким ковром. На нем в беспорядке расставлены небесные сферы, приборы для астрономических наблюдений, лежат книги, музыкальные инструменты. Все предметы выписаны чрезвычайно реалистично и играют роль символов союза искусства и науки, гармонии земли и неба. Однако вся эта аллегория прославляющего характера воспринимается совершенно иначе из-за какого-то предмета непонятной формы на первом плане. Если на него посмотреть справа, выбрав соответствующую точку, то мы увидим изображение черепа в особой технике живописи, называющееся «блуждающий анаморфоз черепа». Это, безусловно, знак смерти. Картина загадочна и торжественна прежде всего потому, что ощущение ирреальности в ней передано через тщательно написанные реальные предметы. Реальность находится рядом с иллюзией, они легко меняются местами. Таким способом художник подчеркивал мысль о бренности власти и богатства. В этой работе явно чувствуется влияние Эразма Роттердамского и Томаса Мора, с которыми был дружен художник. Как и две предыдущие работы, хранящиеся в Лондонской Национальной галерее, Портрет Кристины Датской, герцогини Миланской написан на дубовой доске. Он выполнен художником в 1538 году и следует канонам обычного парадного портрета. Шестнадцатилетняя герцогиня в трауре. Выданная одиннадцати лет замуж за герцога Миланского Франческо Мария Сфорца, в 1535 году она овдовела. Генрих VIII заказал этот портрет, выбирая себе четвертую жену. На густозеленом фоне изображена юная миловидная женщина в черном бархатном платье, опушенном мехом. Она смотрит прямо на нас. Светлыми пятнами выделяются на холсте ее лицо и руки. Во всем облике Кристины Датской ощущается грусть раннего вдовства. Художник, безусловно, относился к ней с симпатией.

Портрет дамы с белкой

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                Иероним Босх
 Лондонская Национальная галерея
Зал 5  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-5

Осмеяние и коронование терновым венцом

Настоящее имя Иеронима Босха (ок.1460-1516) - Йероен (в латинизированном варианте Хиеронимус) ван Акен. Однако он предпочел взять псевдоним, образованный от названия его родины города Хертогенбоса (в переводе означает «герцогский лес») - небольшого ныне голландского городка, расположенного неподалеку от бельгийской границы. Но в те времена это был один из четырех крупнейших центров герцогства Брабант, владения герцогов Бургундских. Насколько известно, в Хертогенбосе Иероним прожил всю жизнь, никуда не выезжая.

Взяв псевдоним, Босх, возможно, хотел таким образом выделиться среди других членов своей семьи потомственных художников. Немногие точные сведения о жизни Босха почерпнуты из счетных книг братства, в которое он вступил в 1486-(1487?) году и членом которого был на протяжении всей своей жизни. Это веский аргумент против того, чтобы считать Босха с его трудными для понимания работами еретиком.

В 1481 году Босх женится на Алейт Гойартс, девушке из богатой и знатной семьи Ван дер Меервенне. Этот брак обеспечил Босху материальное благосостояние и хорошее положение в обществе. Как живописец Иероним Босх стал известен еще при жизни. Но позднее, несмотря на интерес к творчеству художника, большая часть его произведений долгое время оставалась неизвестной. Отношение к его наследию менялось на протяжении веков. Старые авторы считали его художником, который создавал свои образы после того, как увидел их в галлюцинациях - отсюда странные дьявольские сцены, пугающие и причудливые одновременно. Не случаен повышенный интерес к творчеству Босха в Испании и Португалии: тамошнему экзальтированно-религиозному зрителю был близок и понятен мир этого художника, населенный потусторонними силами.

По-настоящему серьезное изучение творчества Босха началось на рубеже XIX и XX веков. Его работы репродуцировались, составлялись их системные каталоги. Иероним Босх становится едва ли не самым популярным и загадочным западноевропейским художником прошлого, многие видят в нем предшественника сюрреализма. Новаторством живописной техники Босх приводил в восхищение еще своих современников. Его работы живы и динамичны, краски сочны, а мазок, ложащийся с первого раза, выразителен. Проблема пространства тоже решается Босхом удивительно оригинально. В его поздних работах фигуры «выталкиваются» на первый план, как бы вытесняя друг друга. При этом художник отказывается от показа каких-либо предметов, объясняющих окружающую среду, и полностью отбрасывает законы перспективы.

К концу своего зрелого периода Босх перестает изображать многочисленные маленькие подвижные фигурки и возвращается к более простому построению, крупным формам и светлым тонам ранних работ. В трактовке сюжетов у художника ослабевает демонический элемент, чудовищные изображения видений и галлюцинаций отступают на задний план.

Находящееся в Лондонской Национальной галерее написанное между 1508-1510 годами, относится именно к этому периоду творчества художника. На картине изображен Христос, окруженный палачами. Все пространство полотна занято крупными, выписанными по грудь фигурами, выделяющимися на однотонном сером фоне. Злоба, которой преисполнены мучители Христа, выражена в почти гротескных лицах, а глаза - зеркало души - отражают все их омерзительные чувства и помыслы.

Эти жуткие лица контрастируют с прекрасным и просветленным обликом Христа. Его фигура выделяется в пространстве картины светлым силуэтом, а глаза будто ищут взгляд зрителя, призывая терпеливо и смиренно выносить земные мучения, ибо душа, усмиренная страданием, может одержать верх над злом и заслужить вечное спасение.

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                              Рафаэль Санти
 Лондонская Национальная галерея
Зал 8  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-8 

 

Проповедь Святого Иоанна Крестителя Жизнь Рафаэля Санти (Раффаэлло Санти;1483-1520) была непродолжительной, но и отпущенного судьбой времени оказалось достаточно для того, чтобы о нем вспоминали как об одном из великих мастеров Высокого Возрождения. Рафаэль родился в Урбино. Его отец - художник Джованни Санти, привил своему сыну первые навыки творчества, после чего тот поступил в ученики к Перуджино, известному живописцу, имевшему мастерские как в Перудже, так и во Флоренции. Именно под влиянием Перуджино с ранних лет сложилось лирическое дарование Рафаэля. В двадцатилетнем возрасте он работал вместе с Пинтуриккьо в Сиенне, а затем перебрался во Флоренцию. Здесь произошло его знакомство с работами старых и современных ему мастеров. Основываясь на этом богатейшем опыте, Рафаэль овладел различными манерами живописи и сумел создать свой неповторимый художественный стиль - возвышенный, ясный и чистый. Переломным моментом в творчестве Рафаэля был его приезд по приглашению папы Юлия II в Рим, где, начиная с 1508 года, он занимался росписями залов в Ватикане. Распятие с Девой Марией, святыми и ангелами Важную роль в этом приглашении сыграла рекомендация архитектора Браманте, работавшего в то время над сооружением собора Святого Петра. Умер Рафаэль там же, в Риме, на следующий год после смерти кончины его старшего современника Леонардо да Винчи. Его внезапная смерть прервала соперничество двух великих мастеров, принимавших участие в создании и украшении Ватикана - Рафаэля и Микеланджело, который был тоже старше Рафаэля, но после его смерти прожил еще много лет. Хранящееся в Лондонской Национальной галерее Распятие с девой Марией, святыми и ангелами, или, как еще называют картину - Распятие Монд, написано Рафаэлем в 1503 году и относится к его ранним работам. В ней еще очень заметно большое влияние его учителя Перуджино - по тому, как Рафаэль рисует головы святых, как их причесывает, в какие одежды их одевает. Искушенный зритель ясно ощущает, что картина -подражание кому-то, и, догадываясь кому, испытывает при этом некоторое сожаление. Сон рыцаря За свою жизнь Рафаэль написал несколько замечательных образов Девы Марии, наиболее знаменитым из которых является Сикстинская Мадонна. Она была написана для папской капеллы в Ватикане и сейчас хранится в Дрезденской галерее. Мадонна с Младенцем и маленьким Иоанном Крестителем тоже была создана в Риме, но уже в период творческой зрелости художника, в 1509-1510 годах, когда он работал и над фресками. Эта небольших размеров доска содержит в себе несколько символов (гвоздика, деревянный ящик), которые традиционно относятся к Страстям Господним. Задумчив и прекрасен лик Богоматери, весь образ которой - само совершенство. Совсем маленькая картина Сон рыцаря дает представление о раннем творчестве Рафаэля, когда ему было немногим более двадцати лет. Юному рыцарю на этой картине, как и самому молодому художнику, грезятся сладкие сны. Но даже и во сне приходится делать непростой выбор - между книгой и цветком, между тяжким и легким жизненным путем. К этому же периоду относится и картина Проповедь Святого Иоанна Крестителя. Исследователи предполагают, что это единственное дошедшее до нас изображение из пределлы (нижней створки алтаря) Мадонны Ансидеи в Перудже. Декоративная манера письма и некоторая схематичность в построении композиции напоминают о том, что молодой Рафаэль в эту пору находился под влиянием своего учителя Пьетро Перуджино. Мадонна с Младенцем и маленьким Иоанном Крестителем

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                         Якопо Тинторетто
Лондонская Национальная галерея
Залы  9  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-9
          10  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-10

 

Происхождение Млечного пути Якопо Робусти (1518-1594), прозванный своими согражданами Тинторетто, прожил всю жизнь в Венеции. В середине XVI века это был самый крупный мастер не только в этом городе, но и во всей Италии. Любопытно, что он единственный из крупных венецианских художников, кто был уроженцем этого города: богатая Венецианская республика могла позволить себе отбирать самых лучших. Учился он у Тициана, побывал в Риме, испытал влияние различных мастеров, в том числе и Микеланджело. В середине 1550-х годов Тинторетто и Веронезе сменили Тициана при выполнении официальных заказов, когда тот стал работать для двора Габсбургов. Полотно Происхождение Млечного пути создавалось в конце 1570-х годов для пражского двора императора Рудольфа П. На нем в удивительно динамичной и экспрессивной манере запечатлена красивая древняя легенда о том, как возник на небе Млечный путь. Громовержец Зевс возжелал, чтобы его сын 1еракл для обретения бессмертия испил молока из груди богини Юноны. Тинторетто изобразил момент, когда струи молока, обильно брызжущие во все стороны, на глазах превращаются в звезды, образующие Млечный путь. Насыщенная движением композиция, звучная и сочная живопись великолепно передают ощущение динамики происходящего. Пожалуй, мало кто из художников и до, и после него мог столь уверенно и точно передавать человеческое тело в движении. Другое хранящееся в Лондонской Национальной галерее произведение Тинторетто - Святой Георгий, принцесса и дракон — более раннее, оно написано около 1555 года. Это было время, когда художник постепенно освобождался от влияния Микеланджело и Тициана в построении своих сложных композиций и становился законодателем нового в живописи. Картина построена на динамичном воспроизведении сложных движений по диагонали. Испуганная принцесса пытается убежать от страшного дракона. Мужественный всадник на белом коне, Святой Георгий, пронзает чудовище длинным копьем. Фантастическая сцена развертывается на фоне сказочного пейзажа со стенами крепости на берегу моря. Напряженность реального действия видна буквально во всех деталях картины, однако всем этим управляют высшие силы. Такой сплав религиозного, божественного и человеческого, земного был движущей силой всего творчества Тинторетто.

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                               Паоло Веронезе
 Лондонская Национальная галерея 
Зал 10   http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-10

Поклонение волхвов 

Паоло Веронезе (настоящее имя Паоло Кальяри; 1528-1588) наряду с Тицианом и Тинторетто, - один из самых выдающихся венецианских художников XVI века. Свое художественное образование он начал на родине в Вероне, в мастерской Антонио Бадиле, на дочери которого впоследствии женился.

В молодости художник много путешествовал, побывал в Риме, где на него большое впечатление произвело творчество ученика великого Рафаэля - Джулио Романе Во время посещения Флоренции художник внимательно изучал бессмертные творения умбрийских художников. Письменное упоминание о Веронезе как о самостоятельном мастере относится к 1552 году, времени, когда он работал в Мантуе. В 1553 году художник переезжает в Венецию, и с того момента его имя неразрывно связано с этим городом. В то время Тициан, первый художник Венеции, начал уклоняться от написания официальных заказов, передав их исполнение двум своим талантливым ученикам - Тинторетто и Веронезе.

Трудно найти двух столь же непохожих художников, которые так неожиданно гармонично дополнили друг друга. Живопись Веронезе, построенная на решении декоративных задач, обращена к жизни города во всем ее многообразии. Он писал своих сограждан даже на самых сложных картинах. Его многофигурные композиции, независимо от темы, это прежде всего красочные и яркие иллюстрации жизни Венеции, такой, какой ее видел, а иногда какой хотел бы видеть сам художник. Картина Поклонение волхвов была написана в 1573 году как алтарная композиция для церкви Сан-Сильвестро в Венеции. В ней уже зримо все, чего Веронезе достиг как зрелый мастер.

Здесь мы видим прекрасно написанный, наполненный воздухом пейзаж. С частями хлева, в котором родился Христос, неожиданно гармоничны элементы античной архитектуры с ее арками, балюстрадами и капителями. Луч света, проникающий в это пространство с небес, выделяет из массы людей и животных фигуру молодой Богоматери с Младенцем на коленях. К ней склонился пожилой мужчина в красном, по всей видимости, это Святой Иосиф. Молодой пастух придерживает собаку, с интересом наблюдающую за происходящим. По другую сторону от Марии - коленопреклоненные волхвы, пришедшие к только что родившемуся Спасителю с дарами. На заднем плане толпится их многочисленная свита. Художник с большим вниманием отнесся к тому, чтобы показать, сколь роскошны их одежды, особенно Валтасара, преклонившего колени перед Марией.

Несхожестью теплых и холодных тонов художник достигает сильного цветового эффекта, который делает полотно ярко декоративным. В сюжетах на евангельские или библейские темы Веронезе, любимец Венеции, пишет своих современников - лица, их одежду и даже их жесты. Его картины полнее, чем работы Тициана, отвечали вкусам простых венецианцев. Как живописец, он почти не уступает великому мастеру, поражает его способность подчинять все многочисленные детали общему замыслу полотна. Но в его творениях меньше того философского раздумья над судьбами бытия, которое пленяет нас в картинах Тициана.

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                        Тициано Вечеллио (Тициан)
 Лондонская Национальная галерея
Зал 10    http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-10

Вакх и Ариадна После внезапной кончины Джорджоне главным представителем венецианской живописи эпохи Высокого Возрождения стал Тициан (Тициано Вечеллио; ок.1476/77 или 1489/90-1576). Он прожил долгую и плодотворную жизнь, о нем сохранилось много документальных свидетельств и легенд, но точная дата рождения его неизвестна; одни исследователи называют 1476-1477 годы, другие - 1489-1490. Еще мальчиком он был вместе со старшим братом отправлен из маленького родного селения на учебу в Венецию. Чтобы попасть в мастерскую Джованни Беллини, «отцу венецианской живописи» и основоположнику венецианского ренессанса, Тициан сначала занимался в мастерских разных венецианских художников, пока не стал учеником великого мастера. Там быстро раскрылся его большой талант художника, этому способствовала и дружба с Джорджоне, который тоже был учеником Беллини. Когда в 1510 году Джорджоне безвременно скончался от свирепствовавшей в городе чумы, Тициан по праву стал считаться главой венецианской живописи и официальным художником Венецианской республики. С этого времени его главная обязанность - писать портреты венецианских дожей. Он также завален заказами на религиозные и светские темы. Тициан много работал для герцога Феррары Альфонсо д'Эсте, выполнял заказы правящих династий Мантуи (Гонзага) и Урбино (Делла Ровере). Его работы этого времени красочны и полны упоения жизнью. Смерть Актеона Находящаяся в Лондонской Национальной галерее картина Вакх и Ариадна была написана в начале 20-х годов, она полностью отражает ту радость бытия, которую ощущает в это время сам художник. Работа выполнена Тицианом для украшения феррарского дворца д'Эсте. Картина изображает встречу Вакха и по воле богов оставленной Тесеем Ариадны. Увидев прекрасную девушку, Вакх спускается со своей колесницы, запряженной леопардами, чтобы поднять ее к себе. Ариадна в испуге отворачивается от бога вина. Вся композиция как бы сдвинута в сторону Ариадны, силуэт которой возникает у края картины на фоне моря и неба. К ней в порывистом движении устремлено прекрасное тело Вакха, единственной одеждой которому служит развевающийся яркий розовый плащ. За Вакхом - шествие его спутников: это и танцующие нимфы с тамбуринами, и девушки, несущие сосуды для вина, и сатиры. Все они образуют единую праздничную толпу, упивающуюся радостями жизни. Прекрасен окружающий сцену пейзаж. Высоко над танцующими нимфами и фавнами деревья раскинули свои разноцветные кроны. У самого горизонта можно рассмотреть почти растворившийся в дымке мифический город. Тонкие белые облака словно прорезают небо. Работа удивительно декоративна. Но все-таки главное в ней - это безмолвный диалог между Ариадной, всем своим существом стремящейся к морю, где еще может быть виден парус уплывающего корабля Тесея, и Вакхом, как бы говорящим ей этим, что Тесей принадлежит прошлому, а все ее будущее связано с ним. Картина Noli те tangere (ее название можно перевести как Не прикасайся ко мне), запечатлела момент встречи только что воскресшего Христа, выдающего себя за крестьянина, с обессилевшей от горя и отчаяния Марией Магдалиной. Эта последняя их встреча происходит на фоне прекрасного идиллического пейзажа, полного света и умиротворения. Распростертая у ног Спасителя Мария Магдалина тянет к нему руку. Но слова Христа останавливают ее - он уже принадлежит другому миру. Художнику удалось запечатлеть удивительное слияние любви земной и любви небесной. В 1530 году Тициан встретился с императором Карлом V, который испытывал к мастеру глубокое уважение. Художник и император становятся друзьями. Тициан подолгу гостит в Аугсбурге, выполняя там работы для императорского двора. А в 1550-1551 годах он работает уже для нового императора Филиппа II, сына Карла V. Вернувшись в Венецию, художник почти полностью отказывается от заказов, передавая их более молодым коллегам, а себя посвящает выполнению работ для двора Габсбургов, с которыми он был связан до конца своих дней. Поздняя живопись Тициана - это новый взлет творчества мастера. Его мазок становится объемней, цвет насыщенней, а градации цвета более сложными и тонкими. Между тем картины Тициана проникнуты трагическим ощущением неминуемой смерти. Поздняя работа художника Смерть Актеона иллюстрирует одну из историй, взятую из «Метаморфоз» Овидия. Прекрасный Актеон, охотясь в лесу, случайно увидел купающуюся богиню Диану. Рассерженная богиня превратила юношу в оленя и затравила несчастного его собственными собаками. На картине мы видим бегущую Диану, в одной руке она держит лук, второй рукой вынимает из колчана стрелу. Мчащаяся впереди нее свора собак набрасывается на получеловека-полуоленя. Полотно решено в мягких приглушенных тонах. Только силуэт Дианы в розовом хитоне контрастом выделяется на фоне холодного неба с мятущимися по нему облаками. Не прикасайся ко мне

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                        Эль Греко
 Лондонская Национальная галерея
Зал 10   http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-10

Изгнание торгующих из храма

Эль Греко (его настоящее имя Доменико Теотокопулос; 1541-1614) -испанский художник греческого происхождения. Он родился на Крите, когда остров принадлежал Венецианской республике. Рано проявивший талант юноша сумел для совершенствования художественного образования уехать в Венецию.

Ему повезло попасть в мастерскую великого Тициана, где дарование юного художника быстро раскрылось. Он постиг основы мастерства и добился признания своих учителей. В 1572 году Эль Греко едет в Рим изучать античные памятники и, как предполагается, знакомится здесь с творчеством Микеланджело.

 В том же 1572 году его имя фигурирует в «Древней книге академиков и стипендиатов» Академии Святого Луки в Риме. После возвращения из Рима в Венецию Эль Греко попадает под влияние темпераментной живописи Тинторетто, которое сохранялось длительное время.

Конкуренция венецианских живописцев была слишком велика, и когда испанский королевский двор попросил Тициана подобрать группу художников для работы в Испании, Тициан рекомендовал для этой цели Эль Греко. Тот с радостью согласился. В 1577 году Эль Греко приезжает в Мадрид и выполняет здесь ряд заказанных ему работ.

Однако они не пришлись по вкусу королевскому двору, прежде всего из-за непривычной испанцам яркой палитры. Такое отношение к его творчеству не могло удовлетворить уже самого Эль Греко, чей художественный вкус сформировался на традициях лучшей венецианской живописи.

Художник перебирается в Толедо - древнюю столицу Кастилии, обитель испанской знати. Здесь он нашел приют и признание, здесь написаны его лучшие произведения, здесь он и жил до конца своих дней.

Картина Изгнание торгующих из храма написана в 1600 году, то есть в то время, когда художник только начал обосновываться в Толедо и искать свой непревзойденный живописный язык. Центром произведения служит фигура Христа, который одним движением руки заставляет толпу торгующих покинуть храм. Их удлиненные тела и извивающиеся позы явно противопоставлены фигуре Христа, облаченного в розовый хитон.

В левой части композиции художник изобразил апостолов, внимательно наблюдающих за происходящим. Один из них сидит, другие переговариваются стоя. В этой работе художником была поднята необычайно актуальная, особенно для Испании, тема освобождения церкви от всевластия денег.

Действие картины разворачивается на обобщенном венецианском фоне. Поклонение имени Христа - более ранняя работа Эль Греко, она относится к мадридскому периоду его пребывания в Испании. Скорее всего, это эскиз к картине Сон Филиппа II, украсившей королевский дворец Эскориал.

В сложной композиции полотна художник смело сопоставляет твердь небесную и твердь земную. Особое внимание зрителя привлекают фигуры ангелов, принадлежащих небесам. Среди группы людей, принадлежащих земле, резко выделяется фигура в черном. Очевидно, здесь должен был быть размещен образ испанского короля.

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                    Питер Брейгель Старший (Мужицкий)
 Лондонская Национальная галерея
Зал  14  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-14 

Поклонение волхвов

Самым крупным нидерландским художником середины XVI века был Питер Брейгель Старший (Р-1569), прозванный Мужицким за свое крестьянское происхождение.

Надо сказать, что исследователи весьма расходятся, называя дату рождения Брейгеля: для одних это 1520-1521 годы, для других - 1528-1530. Однако все при этом согласны в одном: местом рождения художника была деревушка Бреда в Северном Брабанте. Где и у кого учился художник, "неизвестно. Мы знаем только, что в 1551 году он приехал в Антверпен, где вступил в гильдию Святого Луки. Затем он предпринял большое путешествие по Италии, побывал в Неаполе, на Сицилии, а в 1553 году и в Риме, о чем остались документальные записи. Все, что художник видел в Италии, он заносил в альбом, до нас дошли отдельные листы графического дневника.

После женитьбы в 1563 году на Мейкен Кук, дочери Питера Кука ван Альста, Брейгель переехал в Брюссель. Но уже в 1564 году художник оказался в водовороте борьбы, которую Нидерланды вели за свою независимость от власти Испании. Испанцы огнем и мечом пытались сломить сопротивление. Именно в это время, в 1564 году, Питер Брейгель подписал и датировал свою картину Поклонение волхвов.

Найти художественные средства для изображения того, что происходило на его родине, помогли художнику фантастические полотна Иеронима Босха. В Поклонении волхвов художник в иносказательной форме показал, что рождение ребенка не вызывает радости, если в мире царят война и смерть композиционным центром картины, полностью заполненной людьми, служит печальная фигура Девы Марии с Младенцем на коленях. Она закутана в голубой плащ, и ее лица почти не видно. Ее фигура, написанная в холодных тонах, контрастирует с окружением, решенным в теплых тонах, и потому невольно притягивает к себе внимание зрителя. За ее спиной светлым силуэтом возвышается фигура Иосифа, внимательно слушающего нашептывание случайного прохожего.

Перед Марией - трое волхвов. Двое, коленопреклоненные, протягивают Младенцу-Христу свои дары. Выражения их старческих лиц похожи на гримасы. По левую сторону от Мадонны Валтасар. Его темное негритянское лицо резко контрастирует с белыми одеждами. У входа, внутри и вокруг хлева, где Мария произвела на свет Младенца-Христа, толпятся насмехающиеся над событием люди, выражения их лиц крайне жестоко. Среди них много солдат с пиками, острия которых устремлены к небу. Тем самым художник как бы переносит Рождение Христа в современные ему, объятые войной Нидерланды.

Художественные образы Брейгеля перегружены смысловым содержанием: намеки на злободневность, библейское иносказание, игра воображения самого художника - все это включается в тесные рамки одного произведения. Творения Брейгеля требуют от зрителя напряженного внимания, тревожат своей неоднозначностью, будят воображение. Все это придает и его хранящейся в Лондонской Национальной галерее картине Поклонение волхвов глубочайший смысл

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                   Клод Лоррен
 Лондонская Национальная галерея
Зал 15  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-15 

 

Отплытие царицы Савской Один из самых прекрасных живописцев XVII века Клод Лоррен (настоящее имя Клод Желле; 1600-1682) родился в Лотарингии. Сын бедных родителей, не имевших возможности дать даровитому ребенку образование, он в 1613 году сам отправился учиться живописи в Рим и был принят в мастерскую Агостино Тасси, которого до конца дней почитал как учителя. С этого времени вся жизнь художника связана с Римом, но, тем не менее, он считается французским пейзажистом. Нередко его называли мастером декоративного пейзажа, как бы упрекая в том, что мест, которые он изображает, в действительности не существуют. Но не существуя в природе, они сходны с нашими мечтами о чем-то недостижимо прекрасном. Хранящаяся в Лондонской Национальной галерее картина Отплытие царицы Савской, написанная в 1648 году для французского заказчика, - это идиллическая сцена с людьми на первом плане, величественной архитектурой на втором, кораблями, уходящими к горизонту, и удивительным соединением неба с морем. По композиции это полотно соответствует рисунку в книге набросков художника, что подтверждает авторство Клода Лоррена. На картине мастерски исполнены тональные переходы от желто-розового рассеянного свечения солнца сквозь вуаль легких, почти прозрачных, облаков до безмятежного глубокого лазурно-голубого небосвода и живых, подвижных бликов на волнующемся море. На первом плане вода выглядит сине-зеленой, почти черной, а у горизонта словно расплавляется в последних лучах уходящего солнца. Прекрасная, величавая архитектура обрамлена листвою деревьев, она не имеет угловатостей, здания на ней тоже округлы и напоминают кроны деревьев. Люди, суетящиеся на первом плане, лишь дают толчок воображению - недаром плохо владевший рисунком художник доверил написать их другим мастерам. Пейзаж с Энеем в Делосе - поздняя работа художника. Она изящнее и холоднее по колориту. Морю здесь уделяется меньше внимания, фигуры людей написаны более тщательно, изображение архитектуры навеяно древнеримскими памятниками, скорее всего, - это мотивы Пантеона. Этому пейзажу также соответствует зарисовка в книге Лоррена, что говорит о его подлинности и том, что он исполнен для французского заказчика. Природа у Лоррена, величавая и прекрасная, дает простор благороднейшим чувствам человека. В его пейзажах всегда много воздуха и света, света торжествующего, насквозь пронизывающего все полотно. Пейзаж с Энеем в Делосе

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

 Рембрандт ван Рейн

 Лондонская Национальная галерея
Залы 16  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-16 

Христос и грешница Великий голландский художник Рембрандт ван Рейн (полное имя Рембрандт Харменс ван Рейн; 1606-1669) родился в Лейдене. Для получения художественного образования он приезжает в Амстердам и поступает в мастерскую Питера Ластмана; затем возвращается в Лейден, где в 1625 году начинает самостоятельную творческую жизнь. В 1631 году художник окончательно переселяется в Амстердам, город, в котором пройдет вся остальная жизнь мастера. Ему сопутствует успех, портреты его работы вызывают восхищение публики, у него появляется мастерская с большим количеством учеников. В 1634 году он женится на Саскии ван Эленбург, представительнице верхушки амстердамского общества. Эта женитьба связала художника с состоятельными кругами общества, пополнила ряды его потенциальных заказчиков. Сразу после женитьбы Рембрандт пишет картину Саския в костюме пастушки. В этой работе художник выражает свое отношение к молодой любимой жене. Она изображена на темном фоне холста окруженной золотым сиянием. Мягкое прелестное лицо застыло в выражении ожидания: во время написания картины Саския была беременна их первым ребенком, который вскоре после рождения умер. Золотые волосы пышным покрывалом окутывают обнаженные плечи. В обруч, поддерживающий волосы, подобно перу воткнута ветка какого-то растения. Свободные рукава домашнего платья образуют причудливые складки. Одной рукой она опирается на посох из виноградной лозы, второй держит ворох рассыпающихся цветов. Через год Рембрандт напишет Саскию в виде Флоры, богини весеннего цветения; в этой работе художник перенес на холст все то ощущение счастья, которое его тогда переполняло. В 1642 году происходит перелом в жизни и творчестве художника. Его горячо любимая жена умирает. Это было не только тяжелым личным ударом, но и ослабило связи художника с амстердамской знатью, что привело к уменьшению количества заказов. Нетрадиционное решение коллективного портрета стрелковой роты, где художник решительно отказывается от сложившегося в Голландии стереотипа подобных работ, решает его как жанрово-историческую картин, вызывает неудовольствие заказчиков; знаменитый Ночной дозор еще больше ухудшает положение мастера. Меняются и творческие пристрастия художника, его начинают интересовать художественное решение библейских сцен. Небольшая картина 1644 года Христос и грешница, хранящаяся в Лондонской Национальной галерее, была, скорее всего, эскизом для задуманного им более крупного произведения. Встреча Христа и грешницы изображена на заполненном людьми обширном пространстве, безбрежность которого усиливают арочные участки стен, возносящих потолок ввысь. Все погружено в темноту, световой акцент сделан только на фигурах Христа и молодой женщины. В этом полотне Рембрандт впервые подошел к нетрадиционному решению библейской сцены, чему с удивительной последовательностью будут подражать другие художники. После смерти Саскии в жизнь Рембрандта вошла другая женщина, скромная служанка Хендрикье Стоффельс, скрасившая одиночество мастера. Он часто писал ее, но в названиях работ, где она служила моделью, никогда не упоминал ее имени. Портрет Саскии в костюме пастушки На картине Женщина, купающаяся в ручье Рембрандт, полностью отказавшись от классического идеала обнаженной женской фигуры, изобразил Хендрикье, раздевающейся перед купанием, вопреки всем канонам красоты. Золотое одеяние лежит у кромки воды, а милая молодая женщина, стыдливо поднимая рубашку, входит в холодную воду. Она будто возникает из коричневатой темноты, ее застенчивость и скромность читаются и в легко написанном лице, и в руках, поддерживающих рубашку. Бытует мнение, что в конце жизни Рембрандт не пользовался у своих сограждан успехом и уважением, однако небольшое количество заказанных ему в эти годы портретов говорит, скорее, о другом - художник брался за них только тогда, когда заказчик был ему интересен. Фредерик Ригел на коне - типичный парадный портрет, он выполнен художником в 1663 году. Ригел был преуспевающим купцом, производил бумагу и печатал книги. Богатый типограф сопровождал принца Оранского в 1660 году в Амстердам, и, возможно, портрет был заказан в память об этом событии. С темного холста на нас смотрит человек, восседающий на лошади. Он в дорогой, но не вычурно роскошной одежде. Его лицо излучает ум, властность и чувство собственного достоинства.    Фредерик Ригел на коне

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                                 Никола Пуссен

 Лондонская Национальная галерея                                                                                                    Зал  19  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-19  

         

Поклонение Золотому тельцу Никола Пуссен (1594-1665) по праву считается наиболее значительным французским живописцем XVII века. Формирование его как художника было долгим. Родившийся в простой семье на севере Франции, он после начального обучения в Руане в 1612 году приехал в Париж, затем странствовал по Италии и в 1624 году поселился в Риме, где и прожил всю остальную жизнь. Первые из созданных им и дошедших до нас работ относятся уже к римскому периоду. Он имел здесь хорошие связи в среде антикваров и меценатов, выполнял крупные заказы и стал признанным главой классицизма. В начале 40-х годов Пуссен приезжал в Париж, надеясь добиться признания у себя на родине. Однако эта попытка оказалась тщетной, и художник вскоре вернулся в Рим. Пуссен аккумулировал в своем творчестве опыт Рафаэля и Тициана, пройдя через периоды увлечения работами этих великих мастеров. Однако, пережив сложный духовный кризис после тяжелой болезни, Пуссен отказывается от написания пышных картин в стиле барокко и обращается к более сдержанным и глубоко продуманным работам на сюжеты из любимой им мифологии и древнеримской истории. Позднее в творчестве Пуссена происходит новый поворот, на этот раз к пейзажной живописи. В конце творческого пути все свое вдохновение он черпает в природе. Открывшаяся в Париже при Людовике XIV Академия живописи считала Пуссена главным авторитетом, а его последующее влияние на все французское искусство было очень длительным. Правда, его приверженцы уделяли основное внимание рисунку и композиции, а цвет считали второстепенным. Творчество же самого Пуссена было гораздо богаче, разнообразнее и красочнее полотен в духе суховатых академических канонов. Лондонская галерея хранит несколько картин Никола Пуссена. Поклонение золотому тельцу - одно из полотен парной композиции на библейские сюжеты, написано в 1634-1635 годах, почти одновременно со знаменитыми Вакханалиями, которые были созданы Пуссеном по заказу кардинала Ришелье. Построение картины следует композиционному приему, связывающему все фигуры в едином движении. Всеобщее рукоплескание и буйная пляска вокруг идола, стоящего на постаменте, воспринимается как варварское поклонение языческому божеству. Примером Пуссена-живописца совсем иного рода может служить картина Нахождение Моисея, написанная в 1651 году. В ней также использован библейский сюжет, но трактовка его гораздо более сдержанна и лишена внешних эффектов. По духу работа вызывает в памяти творения римской античности - и женскими фигурами, напоминающими скульптурные изображения, и архитектурными сооружениями на заднем плане. Библейское действо перенесено из Египта на более близкую и знакомую художнику почву. О Египте напоминает лишь обелиск за храмом. Одежды персонажей этого полотна красочны и ярки, но общий фон выбран спокойным и холодным, что отвечает неторопливому художественном)' повествованию в картине, равно как и мягким эмоциям в передаче сюжета. Нахождение Моисея

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


                      Питер Пауль Рубенс
 Лондонская Национальная галерея
Зал  29  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-29 

Осенний пейзаж Блестящий художник эпохи барокко Питер Пауль Рубенс (1577-1640) родился в маленьком германском городке Зиген. Вскоре после смерти отца семья будущего художника переехала в Антверпен. Вначале мальчик получал гуманитарное образование. Но когда были замечены его художественные способности, он поступил в мастерскую живописца Адама ван Норта, а затем Отто ван Вениуса. В 1598 году Рубенс был принят в Амстердаме в гильдию Святого Луки, а через два года предпринял поездку в Италию. Художник быстро добился известности, и заслуженная слава помогла ему обосноваться в Мантуе при дворе герцогов Гонзага в качестве портретиста и копииста, где он оставался до 1608 года. Рубенс исколесил всю Италию, работая как художник и выполняя щекотливые дипломатические поручения Гонзага. По поручению герцога он также не раз посетил Испанию. После окончания службы у герцога художник возвращается в Антверпен, где заводит большую художественную мастерскую. Рубенс жил в доме, больше похожем на настоящий дворец, имел дружеские, творческие, политические связи во всех государствах Европы. Количество оставленных им холстов огромно, редкий музей мира сегодня не гордится обладанием его произведений. Но только после своей второй женитьбы зрелый, финансово независимый и удачливый мастер позволил себе поработать на себя и создал ряд произведений, к которым не прикасались кисти его учеников. В этих работах он выразил свое отношение к любимым им людям, окружающей его природе и тем вечным сюжетам мифологии, которые волновали его до конца жизни. Лондонской галерее повезло, именно такие работы хранит ее коллекция произведений Рубенса. Осенний пейзаж с видом на Хеш Стен, написанный в 1636 году, наверное, один из самых знаменитых пейзажей столетия. На этой картине художник изобразил всех живущих в этом его новом родовом гнезде, от самого себя, гуляющего с семьей, возле замка, до простых пастухов и охотников, обитающих на его землях. Картина проникнута ощущением счастья, удивительной теплотой и духовностью. От нее веет радостью и спокойствием. Портрет Сусанны Лунден считается портретом сестры второй жены художника Елены Фоурмен. Перед нами образ очаровательной молодой женщины. Портрет Сусанны Лунден Она написана на холодном сине-зеленом фоне, и от этого ее мягко-розовое личико кажется еще светлее. Черное платье с красными рукавами оттеняет сложенные под грудью изящные руки, а очаровательный взгляд молодой женщины становится особенно углубленным под тенью от полей кокетливой шляпки. Картина Рубенса Суд Париса может считаться эталоном живописи барокко. Рубенс вернулся к этому ранее уже написанному им мифологическому сюжету во время своего второго брака. Если сравнивать картину с его первой работой, то можно увидеть, с какой легкостью пишет теперь уже зрелый художник. Прекрасные богини менее пышнотелы и более утонченны. Художник придает удивительную теплоту их обнаженным телам. Он определяет каждую из богинь атрибутами, которые изображает рядом с ними. Так, за спиной закинувшей за голову руки Афины висит щит с головой горгоны Медузы. Около стоящей спиной к нам Герой расположился павлин. Маленький непоседливый Амур что-то прячет от Афродиты, прекрасной в своей ничем не прикрытой наготе. Перед богинями сидит на камне Парис в пастушеской одежде. Рядом с ним - пытающийся помочь ему сделать выбор Гермес (или Меркурий) со своим, обвитым змеей, жезлом. Парис, в раздумье протягивающий яблоко, явно не знает, которая из богинь более его достойна. Кажется, что ничто не может возмутить покой этого уравновешенного, разумного мира. Вот только в небе над головами богинь можно различить силуэт богини раздора, желающей посеять смуту... Полотно поражает своей красотой и гармонией, в нем нет ничего лишнего, все соразмерно. Суд Париса

 

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/


              Диего Веласкес.  "Венера с зеркалом".
 Лондонская Национальная галерея
Зал  30  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-30 



Во времена Веласкеса обнаженная женская натура была очень редким гостем в испанской живописи. Объясняется это просто - подобные «греховные» сюжеты осуждались Святой Инквизицией. Известно, однако, что Веласкес, помимо представленного полотна, написал еще ряд ню. Ни одна из этих работ, к сожалению, не сохранилась. Поэтому картина Диего Веласкеса «Венера перед зеркалом» при жизни художника не была популярна. Конечно, она была известна в узких кругах, но признание получила лишь спустя время.


Первое упоминание об этой картине относится к 1651 году. Создать ее Веласкес мог как сразу после возвращения из Италии, так и во время своей второй поездки туда. В работе ощущается сильное влияние итальянской школы (и в первую очередь, творчества Тициана). Вместе с тем собственно «божественного» в героини полотна мало. «Картина изображает обнаженную женщину, - описывал свое приобретение первый ее владелец, - лежащую на ткани спиной к зрителю, облокотившись на правую руку, и глядящую на себя в зеркало, которое держит перед нею ребенок». В этом свидетельстве нет даже намека на мифологический сюжет.

Венера, богиня любви, была самой красивой из богинь, и считалась олицетворением женской красоты. Она показана здесь со своим сыном Купидоном, который держит зеркало для нее, чтобы посмотреть, как на себя и на зрителя.Зеркало обрамлено массивной, выделяющейся, чёрной рамкой. Насчёт зеркала выдвигаются разные теории. Вообще, Веласкес, нередко использует зеркала в своих картинах, чтобы добиться определённого воздействия на зрителя.

Отражение лица женщины смутное, размытое, да и лицо выглядит не так, как его ожидаем увидеть. Оно кажется старее, чем дышащее юностью, грациозностью тело. Такое, вот, несоответствие.
Молодое тело, отражение зрелой женщины, маленький сын — Купидон. Куда смотрит женщина? По одной теории Веласкес, таким образом, показывает связь между старостью и молодостью. На что нужно обращать внимание? На потомство, в котором продолжается жизнь и красота, которая так временна?
По другой теории, зеркало являет собой разграничитель на мир реальный (отражение) и мир фантазий (красота)... Более того, лицо в зеркале отражено не так, как должно быть на самом деле. Конечно, это специальный приём художника.

«Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. До 1813 года картина хранилась в частных коллекциях в Испании, потом была перевезена в Йоркшир. В 1906 году она была куплена Фондом национальных коллекций (The National Art Collections Fund) для Лондонской Национальной галереи. В 1914 году с картиной приключилось несчастье. Суфражистка* Мэри Ричардсон, пройдя в музей с мясным тесаком, семь раз ударила им по картине (в область тела нарисованной Венеры). Потом в интервью она заявила следующее: «Я пыталась уничтожить картину самой красивой женщины в мифологии в знак протеста против ареста госпожи Панкхерст, самой прекрасной личности в современной истории», позже она добавила ещё, что «ей не нравилось, как посетители музея целый день смотрят на это». За своё ужасное действие, совершённое, на мой взгляд, истеричной и обделённой мужским вниманием (а иначе, как объяснить такой негатив к красивому телу?), Мэри Ричардсон, дали полгода тюрьмы.А картина была полностью реставрирована и возвращена в галерею, где находится и по сей день.

                           Антонис ван Дейк

 Лондонская Национальная галерея
Зал  31   http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-31

Лорд Джон Стюарт и лорд Бернард Стюарт Самым значительным учеником Рубенса, прекрасно перенявшим его манеру, не потеряв при этом своего художественного лица, был Антонис ван Дейк (1599-1641). Ван Дейк родился в Антверпене. Он успешно учился у Хендрика ван Валена, и уже в восемнадцатилетнем возрасте брался за сложные религиозные темы. Уже в девятнадцать лет он стал мастером и членом гильдии Святого Луки, по-прежнему оставаясь учеником Рубенса, служившего для него великим образцом в живописи. В 1621 году Ван Дейк уехал в Италию и обосновался в Генуе. Друзья ввели его в круг местной торговой аристократии, для которой он создавал многочисленные портреты. По примеру Рубенса Ван Дейк много ездил по Италии, изучая ее художественное наследие. С большим вниманием он отнесся к шедеврам венецианской живописи, в Риме его интересовали творения Микеланджело и более поздних мастеров, таких, как Аннибале Караччи и Гверчино, он посетил Флоренцию, Болонью, Палермо. Вернувшись в Геную, Ван Дейк продолжает писать портреты местных аристократов. Портреты его работы можно отличить от произведений Рубенса по той напряженной внутренней жизни, которая светится в глазах моделей младшего художника. В лучших портретах Ван Дейка внимание художника всегда сосредоточено на лицах с их тонкими чертами, чуть нахмуренными бровями и холодным, даже жестким взглядом. В первой половине XVII века никто, кроме Ван Дейка, не умел создать образ утонченно интеллектуального человека, спокойного, воспитанного и вполне уверенного в себе. Прекрасным образцом такого портрета, в котором мастер показал и ум, и волю дипломата в сочетании с тонким вкусом мецената и собирателя коллекций для английского короля Карла I, может служить полотно Джордж Гейдж с двумя помощниками, написанное в Генуе в 1622-1623 годах. На холсте закутанная в черный плащ фигура. Тонкое и умное лицо молодого человека повернуто к античной статуе, которую показывают ему два его помощника и которую он, видимо, собирается приобрести. Фоном служит расплывающийся в дымке за римскими колоннами пейзаж. Лица помощников написаны схематично, внимание сосредоточено на лице самого Гейджа и его прекрасных нервных руках с тонкими пальцами. После пребывания в Генуе художник в 1627 году вернулся в Антверпен, а спустя пять лет навсегда уехал в Англию, став придворным художником короля Карла I. Там Ван Дейк окончательно выработал свой стиль, который впоследствии стал эталоном для английской портретной живописи, золотым веком которой был век XVIII. Парадный портрет Леди Элизабет Тимбелби и Дороти, виконтесса Андоверская создан около 1637 года. Он запечатлел двух сестер-католичек (в Англии официальной церковью бьыа англиканская) накануне свадьбы одной из них. В руках у невесты, Дороти, корзинка с розами, атрибут ее Святой, покровительницы невест. Леди Элизабет Тимбелби и Дороти, виконтесса Андоверская Художник прекрасно передает блеск атласных платьев красавиц, тонко выписывает их искусно завитые волосы и ювелирные украшения, которые оттеняют прелесть их лиц. Но взгляд этих чаровниц пуст и ничего не говорит нам об их переживаниях. Картина - просто блестящая констатация красоты двух юных дам. Написанный около 1638 года парадный портрет двух братьев Стюартов перед их отбытием за границу может считаться вершиной искусства парадного портрета. Все в нем прекрасно, все - напоказ. Лорд Джон Стюарт и лорд Бернард Стюарт - художественно выраженная квинтэссенция аристократического высокомерия. Удлиненные фигуры, роскошные одежды, замысловатые прически - само воплощение уверенности в себе и в незыблемости своих привилегий. Джон Стюарт спокойно стоит на лестнице, опустив руку на ее парапет. Поза лорда Бернарда надменна; одна его нога - на ступени лестницы, рука поддерживает голубой, подбитый серебром плащ, лицо окаймлено тщательно завитыми локонами. Триумф братьев Стюартов был недолог, оба погибли во время английской революции. Джордж Гейдж с двумя помощниками

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

Микеланджело да Караваджо

 Лондонская Национальная галерея
Зал  32  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-32 

 

Ужин в Эммаусе Караваджо (его настоящее имя Микеланджело Меризи да Караваджо; 1571-1610) родился в Милане. Его роль в развитии живописи рубежа XVI-XVII веков огромна. Первые уроки живописи он получил в мастерской Симоне Петерцано, где дописывал предметы и драпировки на картинах уже известных, сложившихся мастеров. С этими знаниями он и уехал в Рим. Всем, чего Караваджо достиг позднее, в первую очередь он обязан своему великому таланту, своему неистовому темпераменту и смелому взгляду на вещи, своему умению отсекать все ненужные детали. Лишь в определенной степени успехи Караваджо - заслуга тех живописцев, что учили его. Приехав в 1592 году в Рим, художник поначалу продолжал дописывать какие-то предметы на картинах известных мастеров. Потом талант Караваджо был замечен кардиналом дель Монте, который стал покровителем и меценатом художника. Благодаря его протекции Караваджо получает свой первый крупный общественный заказ -написать фрески, работу над которыми художник закончил в 1600 году. Их непривычный натурализм оставил заказчика недовольным, зато они потрясли и воодушевили молодых художников. Вскоре последовали новые заказы на весьма престижные работы. Теперь живопись Караваджо многим очень нравилась, ей стремились подражать. Он первый внес в итальянскую живопись понятие «жанра», очень реалистично изображая на своих картинах неаполитанских гадалок и уличных мальчишек. Даже любимые итальянцами полотна на мифологические сюжеты он писал так, что их воспринимали как реалистичные жанровые картины. Полотно Мальчик, укушенный ящерицей написано Караваджо в последние годы XVI века. На небольшом пространстве картины изображен ошеломленный мальчик, лицо которого искажено болью от неожиданного укуса ящерицы. Контрастная светотень отчетливо высвечивает правую сторону лица испуганного ребенка, а также плечо и руку, которую укусила ящерица. Сама ящерица остается в тени, и там же, на темном фоне, Караваджо рисует чудный натюрморт из прозрачного бокала с цветком розы в нем и рассыпанных на столе ягод. Кажется, что мы можем дотронуться до стекла бокала, ощутить шероховатость розовых листьев, настолько они реальны. Достоверностью изображения поражает и лицо ребенка: глаза, пухлый, открытый в испуге рот -все это дает почувствовать удивительную правдивость происходящего и свидетельствует о возросшей реалистичности работ Караваджо. Саломея с головой Иоанна Крестителя Пользуясь покровительством кардинала дель Монте, художник получал множество престижных заказов от римских аристократов. Хранящаяся в Лондонской Национальной галерее картина Ужин в Эммаусе, была написана по заказу Чириако Маттеи на сюжет из Евангелия от Луки. Это, несомненно один из шедевров Караваджо римского периода. На холсте изображена нехитрая трапеза четырех собравшихся вместе людей. Контрастная светотень вырывает из полутьмы фона их лица, одежду и белую скатерть с изумительно выписанным натюрмортом из лежащего в корзине винограда, фруктов и жареного цыпленка. Предметы на столе кажутся столь осязаемыми, что их хочется взять в руки. Спокоен вид сидящего за столом и еще никем не узнанного Иисуса. В красноречивом жесте он протягивает вперед руку, сотрапезники внимательно слушают Христа. Через мгновенье они узнают Его. В 1606 году в жизни художника произошел резкий перелом. Надо сказать, что Караваджо вел очень бурную жизнь, и однажды во время пьяной драки он совершил убийство, за что был приговорен к смертной казни. Однако Караваджо сумел бежать из Рима, и с 1606 по 1608 год он много скитался, продолжая творить. В Неаполе и на Сицилии он написал ряд знаменитых алтарных образов. Однако места, где бы он смог остаться надолго, Караваджо так и не находит. В этот период колорит его произведений меняется коренным образом, становясь более темным и мрачным. Да и темы, которые выбирает теперь художник, куда более драматичны. Все свое внимание живописец сосредоточивает на лицах, почти ничем не обозначая обстановку. Работа Саломея с головой Иоанна Крестителя относится к последним годам жизни художника. На темном фоне небольшого полотна наше внимание притягивают три фигуры. Это Саломея, получившая за свой волшебный танец страшную награду -голову Иоанна Крестителя. Палач, опускающий голову Крестителя на блюдо в руках Саломеи. И наконец, старуха-свидетельница, само воплощение смерти. Прекрасное лицо Саломеи повернуто в сторону, ее глаза полны страдания: совет матери Иродиады выбрать именно такую награду вылился в слишком страшное действо. Голова Иоанна Крестителя кажется совсем живой и словно желающей еще что-то сказать всем присутствующим. Вся картина полна скрытого напряжения и драматизма. Можно утверждать, что это лучшее полотно, из тех, что художник написал в последние годы своей жизни. Мальчик, укушенный ящерицей

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

                                   Уильям Тернер
 Лондонская Национальная галерея
Залы  15  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-15 
          34  http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-34

Одиссей, дразнящий Полифема Уильям Тернер (1775-1851) не уступает в знаменитости Джону Констеблу хотя это имя художника, роль которого в развитии английской живописи совсем иная. Джозеф Мэллорд Уильям Тернер родился в зажиточной лондонской семье. Еще учась в школе живописи Королевской Академии, он привлекает внимание публики своими пейзажами. Позднее художник предпринимает путешествие по маршрутам Клода Лоррена и Никола Пуссена, посещает Рим, Неаполь, Венецию. Это паломничество глубоко захватывает Тернера, оно буквально питает его творческое дарование. Неудивительно что живописец еще трижды проедет по маршрутам своих любимых мастеров. В отличие от большинства художников Тернер пишет акварелью. И уже ранние его акварели на темы из Клода Лоррена приносят ему заслуженную известность, которая затем неизменно возрастает. Со временем его произведения становятся все более оригинальными и своеобразными, художника влечет тонкая передача оттенков воздуха и света, в которых реальные предметы как бы растворяются. В противоположность Констеблу, Тернер прежде всего стремится передать свои субъективные ощущения. Увлечение символикой сказочных превращений цвета навеяло художнику интерес к легендам; его волнуют странствия Одиссея, разрушенный римлянами и потерянный для человечества Карфаген. Одиссей, дразнящий Полифема – рассказ о битве двух греческих кораблей с гигантом. В лучах сверкающего солнца поверхность моря кажется расплавленным золотом, только у самого горизонта художник отрезает и воду, и фигуру Полифема от золотистой массы воды яркой синей полосой. Небо решено через всполохи голубого и желтого цветов, приводящие его в состояние бурного свечения. Эту работу, где виден отход художника от более темной палитры, часто называют центральным произведением в творчестве Тернера. Одиссей, дразнящий Полифема (фрагмент)

Марфа Всеволодовна Замкова
http://bibliotekar.ru/

 Уильям Хогарт
 Лондонская Национальная галерея
Зал  35 http://www.nationalgallery.org.uk/visiting/floorplans/level-2/room-35 

Из серии «Модный брак» Брачный контракт

Уильям Хогарт (1697-1764) родился в Лондоне. Где и как он получил художественное образование, неизвестно. В то время, когда Хогарт вступил на сцену художественной жизни, ведущая роль в ней еще принадлежала иностранным художникам. Среди богатых собирателей ценились картины фламандских или итальянских мастеров. В 20-х годах он упоминается как иллюстратор и автор злободневных сатирических эстампов. В его искусстве, сформировавшемся под воздействием рисунков Калло и сатирических сценок голландских живописцев, в частности Стена, рано начали проявляться индивидуальные черты. ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ...

Портреты Королевы

Портрет королевы был вырезан британским "Левшой" на маленьком кофейном зернышке. Предполагают, что это самое маленькое из имеющихся в мире изображение королевы.
В Национальной портретной галерее открылась выставка портретов Королевы The Queen: Art and Image. Там представлены работы таких мастеров как Энди Уорхол, Крис Левин, Джастин Мортимер, Джерард Ричтер и др.

Tourism-London.ru

                    

   Институт Искусства Курто

 

Галерея Куртольда очень уютная, все подобрано с большой любовью. Галерею Курто можно, сильно не напрягаясь, обойти за один раз, чтобы возвращаться еще и еще.

Мой любимый зал № 6       http://www.courtauld.ac.uk/vr_tour/new/index.html?pano=room_06.xml

Заходя в зал попадаешь в сверкающий и праздничный мир, наполненный светонасыщенной красочной гаммой. О.Ренуар, Э. Дега, К. Моне, Э. Мане внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни....

И напоследок, Сесть на скамейку в центре зала перед знаменитой картиной Мане "Бар в Фоли-Бержер". От картины трудно оторвать взгляд и начинаешь домысливать

подробности сюжета.

Бар в Фоли-Бержер и зеркала.
Мир - шары, хрусталь или оскал
празднично ликующей толпы?
Пьют, едят, смеются множеств рты.

И не различишь в толпе лица,
атомы, круги, штрихи кольца,
множеств отражения миры,
зеркало - зеро кругов игры.

В нем - спина и плечи, стройный стан,
наяву - с горчинкою уста,
неземное грустное в глазах,
как далек и близок этот зал!

Красота, и роза - на корсаж,
в зале - персонажей вернисаж!
Праздничный всегда Фоли Бержер -
жизни сливки к кофе, блеск и джем!

Улекса фон Лу

   Задумчивая барменша Сюзон погружена в свои мысли, ей совершенно безразлично шумное веселье пестрого общества. Художник очень тонко почувствовал и передал настроение девушки. В самом углу видны ноги акробатки в зеленых башмачках. Она должна развлекать посетителей, но никому, тем более, Сюзон, нет до нее никакого дела. Присутствие акробатки только подчеркивает безразличие барменши, а веселящаяся толпа только оттеняет одиночество и грусть девушки. Кажется, что еще немного – и у девушки появятся слезы. Несмотря на свою молодость и привлекательность, она, кажется, уже ничего не ждет от жизни, как, впрочем, и сам автор. Настроение картины может быть сродни тому состоянию, которое угнетало художника и не оставляло никаких надежд и перспектив на выздоровление. Но в то же время свет, зеркала, усиливающие отражение света и женскую фигуру – все это создает атмосферу праздника, переходящего… в тризну. Трудно представить, что «Бар в Фоли–Бержер» создавался тяжело больным, обреченным человеком, которому каждое движение доставляло жестокие страдания. Между прочим, картина «Бар в Фо­ли–Бержер» в 1912 году оказалась на какое–то время в России. Однако ни власти, ни российские меценаты не приложили ни малейших усилий, чтобы оставить этот шедевр в русских картинных галереях. В итоге картина «переехала» в Лондон.

The Courtauld Institute of Art (www.courtauld.ac.uk), Somerset House, Strand, London, WC2R 0RN